「カナダ」タグアーカイブ

ディスクレビュー, エレクトロニック

Tim Hecker “Konoyo” / ティム・ヘッカー『この世』

2018年12月11日コメントする

Tim Hecker “Konoyo”

ティム・ヘッカー『この世』
発売: 2018年9月28日
レーベル: Kranky (クランキー)
プロデューサー: Ben Frost (ベン・フロスト), 葛西敏彦 (Toshihiko Kasai)

　カナダ、バンクーバー出身のエレクトロニック・ミュージシャン、ティム・ヘッカーの通算9枚目のスタジオ・アルバム。

　はっきりとした裏は取れなかったのですが、1曲目のタイトルが「This Life」であることからも想像できるとおり、アルバム・タイトルの『Konoyo』とは、日本語の「この世」のことなのでしょう。

　雅楽の演奏団体「東京楽所」と共に、東京都練馬区の「慈雲山曼荼羅寺観蔵院」にて、レコーディングを実施。ヘッカーの生み出すドローン・ノイズと、日本伝統の雅楽が融合する、異色のアルバムです。

　エンジニアを務めるのは、レイキャビク拠点のエクスペリメンタル系ミュージシャンであり、これまでもヘッカーの作品に数多く携わっているベン・フロストと、蓮沼執太フィルのメンバーとしても知られる葛西敏彦。

　僕は折衷的な音楽があまり好きではなくて、例えば「三味線でビートルズの曲を弾いてみました」みたいな音楽は、短絡的でクリエイティヴィティが無いなと感じることが多いのです。

　そんなわけで、ティム・ヘッカーの新作が「日本の雅楽との共演」と聞いたときも、ティム・ヘッカー得意の電子ノイズに、雅楽の楽器のサウンドを合わせただけの音楽なんだろうなぁ、とほとんど期待していませんでした。

　しかし、実際に聴いてみると、予想を遥かに上回るアルバム。クリエイティヴィティとオリジナリティに溢れた音楽が繰り広げられており、自分の浅はかな予想を恥じるばかりです。

　ヘッカー得意の電子ドローンと、雅楽のサウンドが融合しているのは事実なのですが、まったく相容れないのではないかと思う両者のサウンドが不可分に溶け合い、アナログとデジタルの融合する、独特の世界観を生んでいます。

　考えてみれば、雅楽はリズムやメロディーよりも、調和や音響が前景化した音楽。ドローンやアンビエントとの相性は、思いのほか良いのかもしれません。

　また、ヘッカーは6thアルバム『Ravedeath, 1972』では、レイキャビクの教会でレコーディングを実施し、パイプ・オルガンと電子音を融合。生楽器と電子音、アナログとデジタル、メロディーと音響が錯綜する、見事なアルバムを作り上げており、本作の出色のクオリティも十分に納得できます。

　1曲目の「This Life」から、不穏な電子ドローンと、篳篥(ひちりき)や龍笛と思われるサウンドが融合。各楽器のフレーズと持続音が、お互いに折り重なり、神秘的な空気を作り上げていきます。

　電子音を用いた上質なアンビエント・ミュージックでありながら、雅楽の厳かなサウンドも、パーツとして飲み込まれることなく、自らのサウンドを響かせており、雅楽と電子音楽の融合と呼ぶにふさわしい1曲。

　2曲目「In Death Valley」は、波のように一定の間隔で押しよせる電子音に、雅楽の打物のリズムが重なる1曲。徐々に電子音が増殖し、それに比例してリズムと旋律が溶け合い、全体の躍動感も増していきます。

　3曲目「Is A Rose Petal Of The Dying Crimson Light」では、やわらかな電子音と、雅楽の楽器類のロングトーンが融合。朝靄のかかった大自然のなかを歩くような、幽玄なサウンドに満たされていきます。

　4曲目「Keyed Out」は、不協和な電子ノイズと、雅楽の楽器による演奏が、錯綜する1曲。最初は両者が分離しているように感じますが、徐々にお互いを取り込むように融合していきます。電子音が雅楽アンサンブルの一部のように、雅楽の楽器が電子音のように聞こえる、絶妙なバランス。

　5曲目「In Mother Earth Phase」は、持続音とフレーズが次々と折り重なっていく、音響が前景化した1曲。持続音の上に細かく刻まれたフレーズが重なり、また時には持続音が途切れ、多様なサウンドが、和音とは違った意味での調和を生んでいきます。

　6曲目「A Sodium Codec Haze」は、笛と太鼓が中心に据えられ、雅楽色の濃い1曲です。雅楽のアンサンブルを、電子音が包み込んでいくようなバランス。

　アルバム最後の7曲目に収録されるのは「Across To Anoyo」。「Anoyo」とは日本語の「あの世」のことでしょう。ロングトーンが静かに響くイントロから始まり、太鼓と弦楽器が一定のリズムを刻み続ける、ミニマル・ミュージック的なアレンジへ。その後は、持続音がすべてを覆い尽くす後半へと展開する、15分を超える大曲。

　アルバムをとおして実感するのは、雅楽の楽器とアンビエントな電子音の相性の良さ。楽器にもエフェクトがかけられているのでしょうが、聴いているうちにどこまでが電子音で、どこまでが楽器の音なのか、分からなくなるほどです。

　本作がスタジオ・アルバムとしては9作目。これまでもアルバムごとにアプローチを変え、クオリティの高い作品を作り続けてきたティム・ヘッカーのセンスと表現力には、感嘆せざるを得ません。

ディスクレビュー一覧へ移動

Konoyo

posted with カエレバ

Tim Hecker kranky 2018-09-28

ディスクレビュー, エレクトロニック

Tim Hecker “Virgins” / ティム・ヘッカー『ヴァージンズ』

2018年12月11日コメントする

Tim Hecker “Virgins”

ティム・ヘッカー『ヴァージンズ』
発売: 2013年10月14日
レーベル: Kranky (クランキー)

　カナダ、バンクーバー出身のエレクトロニック・ミュージシャン、ティム・ヘッカーの7thアルバム。

　アメリカではクランキー、カナダではペーパー・バッグ(Paper Bag)よりリリース。また、ポストロックやエクスペリメンタル系を扱う日本のレーベルp*disより、ボーナストラックを1曲追加した日本盤も発売されています。

　今作には、ティム・ヘッカーと同じくカナダ出身のエクスペリメンタル系ミュージシャン、カラ-リス・カヴァーデール(Kara-Lis Coverdale)が全面的に協力。

　クレジットを確認しても「Performer」としか記載されていないので、彼女が具体的になにをおこなっているのかは想像するしかありませんが、前作『Ravedeath, 1972』から、音楽の質は明らかに変わっています。

　ヘッカーは元々アルバム単位のミュージシャンと言うべきか、アルバムごとにハッキリと色を持った作品を作りあげてきましたが、本作も例外ではありません。本作の特徴をひとつ挙げるなら、ロックバンドが持つダイナミズムとグルーヴ感を、色濃く持っているところ。

　『Ravedeath, 1972』までのヘッカーの作品は、一部にゲストを招いてはいるものの、ほとんど彼一人で作り上げており、音響が前景化した、いかにも現代的な電子音楽。やわらかな電子音を主軸にし、メロディー感やリズム感が希薄で、音響をなによりも重視したものでした。

　しかし、前作『Ravedeath, 1972』では、アイスランド・レイキャビクを拠点に活動するベン・フロスト(Ben Frost)が参加し、レイキャビクの教会でレコーディングを実施。それまでの音響的なアプローチとは一線を画し、ピアノやオルガンのフレーズが、電子的ドローンと溶け合う、アナログとデジタルの融合とも言うべき音楽を作り上げました。

　それから2年8ヶ月ぶりのアルバムとなる本作。前述したカラ-リス・カヴァーデールに加え、前作にも参加したベン・フロスト、アイスランド出身のプロデューサーのヴァルゲイル・シグルズソン(Valgeir Sigurðsson)、アメリカを代表するドローン・メタルの雄Sunn O)))のプロデューサーとしても知られるランドール・ダン(Randall Dunn)などが集結。

　ヘッカー史上、もっともダイナミックかつ躍動感のある音楽を作り上げています。多数のミュージシャンやエンジニアを招いた共同作業が、このようなダイナミズムを獲得した理由のひとつであるのは、間違いないでしょう。

　このアルバムの魅力は、音響とグルーヴの融合。ヘッカーらしいノイズを巧みに利用した音響と、複数のフレーズが絡み合う躍動感が、不可分に混じり合っています。

　例えば1曲目の「Prism」では、イントロから電子的な持続音が鳴り続け、少しずつ音量が増加。それと並行して、リフのようにひとまとまりのフレーズが、一定の間隔で演奏され、やがて両者は溶け合い、隙間のない音の壁のように一体となります。

　2曲目「Virginal I」では、イントロからピアノが増殖するようにフレーズを弾き続け、その隙間を埋めるように電子的なサウンドが足されていきます。クラシックとエレクトロニカの融合とでも言うべき1曲。

　4曲目の「Live Room」でも、透明感のあるピアノの音と、ざらついた電子ノイズが、徐々に絡み合い、融合。メロディー、リズム、音響のすべてが、一体となってハーモニーを形成します。

　6曲目「Virginal II」は、左右両チャンネルから、それぞれ異なるフレーズが、透明感のあるサウンドで奏でられる前半からスタート。その後、徐々に電子音が増殖していき、曲の後半になると、今度はうねるようなシンセのサウンドがフレーズを奏でていきます。音響とメロディーが、侵食しあいながら進行する1曲。

　9曲目「Amps, Drugs, Harmonium」は、優しい電子音が広がっていく、神秘的な空気を持った1曲。音響を重視しつつも、その中からリズムやメロディーが顔を出し、やはり音響とメロディーが溶け合った演奏が展開します。

　アルバム全体をとおして、メロディーやリズムと音の響きが一体となって、音楽を作り上げていきます。楽譜に書きあらわせる音韻情報と、書きあらわせない音響情報が、有機的に融合した音楽とも言えるでしょう。

　ティム・ヘッカーも、本作が通算7作目のフル・アルバム。もはや風格すら感じさせる、クオリティの高い1作です。

　楽器の音が大きく加工せずに用いられ、リズムや旋律も認識しやすいので、普段はドローンやアンビエントを聴かない、例えばレディオヘッドやシガー・ロスを愛聴するリスナーの方にも、受け入れられる質を備えたアルバムだと思います。

ディスクレビュー一覧へ移動

Virgins

posted with カエレバ

Tim Hecker kranky 2013-10-14

Tim Hecker “Ravedeath, 1972” / ティム・ヘッカー『レイヴデス、1972』

2018年12月11日コメントする

Tim Hecker “Ravedeath, 1972”

ティム・ヘッカー『レイヴデス、1972』
発売: 2011年2月14日
レーベル: Kranky (クランキー)
プロデュース: Ben Frost (ベン・フロスト)

　カナダ、バンクーバー出身のエレクトロニック・ミュージシャン、ティム・ヘッカーの6thアルバム。

　すべてパソコン上で完結できるのが、近年の電子音楽の特徴とも言えますが、本作は大半をアイスランドのレイキャビクの教会にてレコーディング。

　ちなみに教会の名前は、アイスランド語で「Fríkirkjan í Reykjavík」。英語に訳すと「Free Church in Reykjavik」を意味します。

　本作には、オーストラリア出身でレイキャビクを拠点に活動する実験音楽ミュージシャン、ベン・フロスト(Ben Frost)が参加。レコーディング・エンジニアを務め、一部の曲ではピアノを演奏。レコーディング場所として、上記の教会を探したのも彼とのことです。

　レコーディング手法は、ヘッカーが本作のために書いた楽曲群を、1日かけて教会のパイプ・オルガンにて演奏。録音された素材を、モントリオールのスタジオへ持ち帰り、ミックス等の編集作業を施し、完成させています。

　カナダの音楽雑誌『Exclaim!』に語ったところによると、ヘッカー自身は本作を「スタジオ録音とライヴ録音のハイブリッド」(a hybrid of a studio and a live record.)と評しています。

　これまでのヘッカーの作風は、楽器のサウンドを用いつつも、電子音を主軸にした、音響重視のもの。しかし本作では、前述のレコーディング手法を差し引いても、楽器らしい音色とフレーズを感じやすくなっています。

　例えば1曲目の「The Piano Drop」のように、ノイズ的なサウンドが増殖し、やがて融合して音の壁のように立ちはだかる、従来のヘッカーらしい要素も見受けられるのですが、同曲の後半は音がひとつにまとまり、そこにメロディーらしきものが感じられるのです。

　前述したとおり、パイプ・オルガンを大々的に導入していることもあり、ヘッカー史上もっともメロディーを感じるアルバムとも言えます。

　2曲目から4曲目に収録される「In The Fog」は、IからIIIまで3つのパートに分けられ、それぞれ楽器のフレーズと、電子的なノイズやドローンが溶け合い、音響と旋律が一体となった音楽を作り上げています。

　5曲目「No Drums」には、タイトルのとおり一切の打楽器的なサウンドは用いられず、柔らかで幽玄な電子音がヴェールのように全体を包んでいきます。

　6曲目「Hatred Of Music I」と7曲目「Hatred Of Music II」は、増殖し広がっていく電子音の中から、ピアノやオルガンのフレーズが聞こえ、ノイズ的でありながら、穏やかな音像を併せ持っています。

　10曲目から12曲目に収録される「In The Air」は、ピアノの断片的なフレーズ、やわらかな持続音、ノイズ的な持続音が折り重なり、デジタルとアナログ、ノイズとメロディーが不可分に溶け合う、このアルバムらしいハイブリッドさに溢れた楽曲。

　これまでのアルバムも、作品ごとに確固としたコンセプトを持ち、アルバム単位で優れた作品を作り続けてきたティム・ヘッカー。今作はアルバムとしての統一感を保ちつつ、実に多彩な楽曲群が収録されています。

　前述したとおり、これまでのヘッカーの作品は、より音響が前景化していたのですが、本作は認識しやすいメロディーが多く、普段はロックをメインに聴いている方にも、比較的とっつきやすいアルバムではないかと思います。

ディスクレビュー一覧へ移動

Ravedeath, 1972

posted with カエレバ

Tim Hecker kranky 2011-02-14

Tim Hecker “An Imaginary Country” / ティム・ヘッカー『アン・イマジナリー・カントリー』

2018年12月11日コメントする

Tim Hecker “An Imaginary Country”

ティム・ヘッカー『アン・イマジナリー・カントリー』
発売: 2009年3月9日
レーベル: Kranky (クランキー)

　カナダ、バンクーバー出身のエレクトロニック・ミュージシャン、ティム・ヘッカーの5thアルバム。

　前作『Harmony In Ultraviolet』と同じく、アンビエントやエクスペリメンタル系の音楽に強いインディーズ・レーベル、クランキーからのリリース。

　アルバム・タイトルの「An Imaginary Country」とは、日本語に訳せば「想像上の国」。タイトルが示唆するとおり、架空の国の大自然に触れながら旅をするような、壮大なサウンドスケープが繰り広げられる1作です。

　言葉や分かりやすいメロディーは持たないものの、コンセプト・アルバムと言っても良いぐらい、一貫した流れを感じます。

　1曲目の「100 Years Ago」から始まり、ラスト12曲目の「200 Years Ago」まで、風景を眺めながら時間を遡るように、多様な表情を見せるところが、このアルバムの最大の魅力ですね。

　2曲目「Sea Of Pulses」、3曲目「The Inner Shore」、6曲目「A Stop At The Chord Cascades」、9曲目「Her Black Horizon」など、曲名にも自然をあらわす言葉が散りばめられ、こちらのイマジネーションをかき立てる音楽を展開。

　本作の音響の特徴は、清潔感と透明感にあふれたサウンド・プロダクション。

　1曲目の「100 Years Ago」では、柔らかな電子音が増殖するように空間を埋めていきます。コードや画一的なリズムによる進行感がないため、時間の中を漂うような気分になる1曲です。

　2曲目「Sea Of Pulses」では、鼓動のようなベース音がリズムを刻み、その上にキラキラとした電子音が折り重なり、厚みのあるサウンドを構築。タイトルどおり、折り重なる電子音は波のようであり、一貫して響くベース音は海の鼓動のように響きます。

　8曲目「Paragon Point」では、複数の電子的な持続音がレイヤー状に重なり、音の壁を立ち上がらせる1曲。

　アルバム全体を通して、心地よく厚みのあるサウンドは一種のシューゲイザーのようでもあり、シガー・ロス(Sigur Rós)等のポストロックを彷彿とさせる部分もあります。

　音響を前景化した作風でありながら、単調にならないところが、ティム・ヘッカーのミュージシャンとしての有能さの証左と言えるでしょう。

　僕みたいな素人が適当に作ったら、絶対にこのような作品にはなりませんから(笑)

ディスクレビュー一覧へ移動

An Imaginary Country

posted with カエレバ

Tim Hecker kranky 2009-03-09

Tim Hecker “Harmony In Ultraviolet” / ティム・ヘッカー『ハーモニー・イン・ウルトラヴァイオレット』

2018年12月10日コメントする

Tim Hecker “Harmony In Ultraviolet”

ティム・ヘッカー『ハーモニー・イン・ウルトラヴァイオレット』
発売: 2006年10月6日
レーベル: Kranky (クランキー)

　カナダ、バンクーバー出身のエレクトロニック・ミュージシャン、ティム・ヘッカーの4thアルバム。

　過去3作はカナダの電子音楽系インディーズ・レーベル、エイリアン8(Alien8)などからリリースされていましたが、本作からシカゴ拠点のレーベル、クランキーへと移籍しています。

　ティム・ヘッカーが作り出すのは、アンビエントな電子音楽。はっきりとしたリズム、メロディー、ハーモニーを持たず、音響が前景化した音楽です。

　本作も普段からこの手の音楽を聴かない方には、ピンク・ノイズとホワイト・ノイズとしか感じられないかもしれません。

　コード進行があるわけでもなく、わかりやすいメロディーやリズム構造があるわけでもない。本作のようなアルバムを紹介するとき、ともすると「考えるな、感じろ」と言って、済ませてしまいそうになりますが、聴取のポイントはあります。

　ですので、僕が好きだと思うポイントを挙げていき、結果として本作の魅力をお伝えできたらなと。もちろん、僕の個人的な嗜好にすぎませんで、これが正解というわけではなく、あくまでひとつの参考にしていただけたら幸いです。

　当然のことながら、ティム・ヘッカーもアルバムによって音楽の質が、それぞれ異なります。例えば6thアルバムの『Ravedeath, 1972』は、本作に比べると音とフレーズの輪郭がくっきりしており、ロックをメインに聴いている方にも、やや取っつきやすいかもしれません。

　それに対して本作は、より音響が前景化していて、フレーズというよりも音の響きや、折り重なる音の層を聴くべきアルバムと言えます。

　まず、アルバム1曲目の「Rainbow Blood」。ゆっくりと流れる波のような電子音が、少しずつ形を変えて広がっていきます。激しいノイズではなく、かといって静寂に近い音でもない。変わりゆく音に身を委ねていると、自分の耳が馴れてきたのか、あるいは実際に流れる音が変化しているのか、サウンドの変化を大きく感じるようになります。

　2曲目の「Stags, Aircraft, Kings And Secretaries」では、前曲に比べ、より多くの種類のサウンドが用いられています。ギターらしきサウンドや、打楽器のような音、電子ノイズが共存。秩序のないカオティックな音楽ではあるのですが、それぞれの音が絡み合い、様々な表情を見せます。

　8曲目から11曲目までは、それぞれ「Harmony In Blue I」から「Harmony In Blue IV」と題され、タイトルのハーモニーが前景化した4曲。ハーモニーと言っても、いわゆる和音という意味ではなく、それぞれ電子的な持続音を中心として、音が空間に浸透していく、音響重視の楽曲たち。

　15曲目「Blood Rainbow」は、イントロから持続音がレイヤー状に折り重なっていき、徐々に厚みを増していく1曲。和音とは違った一体感を持ったサウンドが、空間を埋め尽くし、鼓膜を穏やかに揺らします。轟音ギターを聴いた時の高揚感とは逆に、穏やかな鎮静感をもたらします。

　電子音と楽器の音がミックスされ、重厚なサウンドを作り上げていくのが本作の特徴。そのため、リズムよりも音響に耳を傾け、音楽に没頭すると、より様々な景色が見え、楽しめるのではないかと思います。

　音響の特徴といえば、ティム・ヘッカーの作品の中でも轟音要素が強いところでしょうか。Sunn O)))などのドローン・メタルすら、彷彿とさせる部分があります。

ディスクレビュー一覧へ移動