「2016年」タグアーカイブ

The Lumineers “Cleopatra” / ザ・ルミニアーズ『クレオパトラ』


The Lumineers “Cleopatra”

ザ・ルミニアーズ 『クレオパトラ』
発売: 2016年4月8日
レーベル: Dualtone (デュアルトーン)
プロデュース: Simone Felice (シモン・フェリス)

 コロラド州デンバーを拠点に活動するフォーク・ロック・バンド、ザ・ルミニアーズの2ndアルバム。

 前作『The Lumineers』と同じく、テネシー州ナッシュヴィルを拠点にするインディーズ・レーベル、デュアルトーンからのリリース。

 2012年4月にリリースされた前作は、インディーズでのリリースでありながらビルボード最高2位。本作がリリースされる2016年4月までに、アメリカ国内だけで170万枚を売り上げています。

 一聴すると、フォークやカントリーの要素が色濃い彼らのサウンド。しかし、鼓動のようにゆったりとリズムを刻むドラムをはじめ、ロック的なダイナミズムも持ち合わせ、バンド全体が一体の生き物のように、いきいきと躍動する演奏が特徴です。

 前作から比較すると、本作ではより歌のメロディーが前景化し、成熟したアンサンブルを展開。とはいえ、いきいきとした躍動感も健在です。

 1曲目「Sleep On The Floor」では、スローテンポに乗って、ゆったりと歩みを進めるような、タメをたっぷりと取った演奏が展開。徐々に音数が増え、それに比例して躍動感も増していきます。アルバム1曲目ということで、前座と言うと不適切かもしれませんが、リスナーの耳とテンションを温めるような楽曲。

 2曲目「Ophelia」では、足踏みのようなリズムと、メロウなピアノとボーカルが共存。徐々に熱を帯びるボーカルと、躍動的なアンサンブルが絡み合う1曲です。

 3曲目はアルバム表題曲の「Cleopatra」。メンバーのウェスリー・シュルツ(Wesley Schultz)が、ジョージア(ジョージア州ではなく、東ヨーロッパにある国のジョージアです!)で出会ったタクシー・ドライバーから聞いた実話に、インスパイアされた曲であるとのこと。

 詳細はバンドのFacebookにアップされています。話を要約すると、シュルツはジョージアで女性のタクシー・ドライバーと出会い、彼女から以前プロポーズされたエピソードを聞きます。恋人からプロポーズされたものの、ちょうど彼女の父親が亡くなったところだったため、返事をしませんでした。

 プロポーズを拒絶されたと思った恋人は、傷心のまま村を離れ、二度と戻らず。彼女にプロポーズを断った意図はなく、恋人を愛していたため、彼が去った後も残った足跡を決して掃除せず、そのままに残したそうです。

 歌詞の内容は、上記のエピソードを下敷きにしたもの。曲調は切なさを前面に出したものではありませんが、歌のメロディーと言葉が前景化されるバランスのアンサンブルになっています。

 4曲目「Gun Song」は、ゆったりしたドラムとアコースティック・ギターのリズムに、歌のメロディーが覆いかぶさるように重なる1曲。フォーキーなサウンドで、テンポも抑えめなのに、躍動感と加速感があり、ザ・ルミニアーズらしい演奏と言えます。

 5曲目「Angela」は、軽やかに爪弾かれるギターと、流麗なボーカルが絡み合い、穏やかに流れていく1曲。音数が少ないアンサンブルなのに、効果的に音が配置され、躍動感を生んでいます。

 10曲目「My Eyes」は、音数を絞った隙間の多いアンサンブルが展開する1曲。しかし、スカスカに感じるわけではなく、音数を絞ることで一音ずつが贅沢に響き、有機的でいきいきとした演奏になっています。

 ラストの11曲目「Patience」は、高音域を使った透明感のあるピアノによるインスト曲。徐々に音が増え加速していく1曲目「Sleep On The Floor」から始まり、ピアノ主体のインスト曲で締める、アルバムらしい流れも秀逸。

 アルバム表題曲の「Cleopatra」を含め、「Ophelia」「Angela」とシングルカットされた楽曲は、いずれも女性の名前がタイトル。叙情的な歌詞も、本作の魅力のひとつとなっています。

 また、前作に引き続き、セールスも好調。ビルボード最高2位を記録した前作に対して、本作では遂に1位を獲得。その他、イギリスやカナダでも、アルバム・チャートの1位を獲得しています。

 本作リリースから2年後の2018年に、チェロを担当していたネイラ・ペカレック(Neyla Pekarek)が、ソロ・キャリアに専念するため脱退。

 バンド結成当初のウェスリー・シュルツと、ジェレマイア・フレイツ(Jeremiah Fraites)による2ピース編成に戻っています。

 クラシックの教育を受けたペカレックが脱退することで、ザ・ルミニアーズの音楽がどのように変化するのか。今後の活動も楽しみです。

ディスクレビュー一覧へ移動

 





Sam Beam & Jesca Hoop “Love Letter For Fire” / サム・ビーム&ジェスカ・フープ『ラヴ・レター・フォー・ファイア』


Sam Beam & Jesca Hoop “Love Letter For Fire”

サム・ビーム&ジェスカ・フープ 『ラヴ・レター・フォー・ファイア』
発売: 2016年4月15日
レーベル: Sub Pop (サブ・ポップ)
プロデュース: Tucker Martine (タッカー・マーティン)

 アイアン・アンド・ワイン(Iron & Wine)名義での活動で知られるシンガーソングライター、サム・ビームと、カリフォルニア州サンタローザ出身の女性シンガーソングライター、ジェスカ・フープによるコラボレーション・アルバム。

 レコーディングには、ウィルコ(Wilco)のグレン・コッチェ(Glenn Kotche)や、ティン・ハット(Tin Hat)のロブ・バーガー(Rob Burger)、元ソウル・コフィング(Soul Coughing)のセバスチャン・スタインバーグ(Sebastian Steinberg)、ヴァイオリニストのエイヴィン・カン(Eyvind Kang)らが参加しています。

 共にフォークを基調としながら、オルタナティヴな空気も併せ持つサム・ビームとジェスカ・フープ。さらに上記のとおり、参加ミュージシャンには、オルタナ・カントリーのウィルコ、チェンバー・ミュージックのティン・ハット、オルタナティヴ・ヒップホップのソウル・コフィング、ジャズや現代音楽のエイヴィン・カンなど、多彩な出自を持つ面々が並びます。

 期待どおりと言うべきか、本作で展開されるのは、男女混声によるフォーキーな歌を中心に据えながら、多彩なジャンルの要素が散りばめられた音楽。

 アコースティック・ギターを主軸にした、カントリー的なサウンドを下地に、ピアノやストリングスを用いたチェンバー・ミュージック的なアレンジ、音響を前景化したエレクトロニカ的な音像などが同居する、上質なポップ・ミュージックが鳴り響きます。

 1曲目の「Welcome To Feeling」は、1分ほどのイントロダクション的な役割のトラック。イントロから、ストリングスのロングトーンがレイヤー状に重なり、続いてパーカッションとボーカルが立体感を足していく、短いながら情報量の多い1曲。

 2曲目「One Way To Pray」では、アコースティック・ギターとボーカルのフォーキーな響きに、ストリングスのゆったりとしたフレーズが、絡み合うように厚みをプラスしていきます。

 5曲目「Midas Tongue」は、アコースティック楽器のオーガニックな音色と、柔らかな電子音が共存しながら、立体的で躍動感あふれるアンサンブルが組み上げられる1曲。細かいフレーズが複雑に絡み合うことで、サウンドは生楽器が主体であるのに、アヴァンギャルドな空気が漂います。

 7曲目「Every Songbird Says」は、アコースティック・ギターの流れるようなフレーズと、男女混声ボーカルが絡み合い、軽やかに進行する1曲。徐々に楽器が増え、立体感と躍動感が増していく展開も秀逸。

 8曲目「Bright Lights And Goodbyes」は、アコースティック・ギターとボーカルを中心に構成されるメロウなバラード。

 10曲目「Chalk It Up To Chi」は、民謡という意味でのフォーク・ミュージックを思わせる、コミカルな歌唱とメロディーを持った1曲。音はそこまで詰め込まれていませんが、多種多様な音が飛び交うアンサンブルも、カラフルで賑やか。

 11曲目「Valley Clouds」は、フォーク色の濃い牧歌的な雰囲気で始まり、再生時間0:50あたりからいきいきと加速していく、ゆるやかなスウィング感のある1曲。加速と減速を繰り返し、1曲の中でのリズムの緩急も鮮やか。

 13曲目「Sailor To Siren」は、音数は少なく隙間は多いのに、低音域でどっしりと響くドラムをはじめ、ゆるやかな躍動感を伴った演奏が展開する1曲。ソフトに歌いあげる、男女混声のコーラスワークが幻想的。

 カントリーとクラシックの融合!などと言うと、あまりにも短絡的ですが、思わず多くのジャンルに言及したくなる多様性を持ったアルバムです。

 あえてジャンル名を駆使して本作を説明するなら、カントリーとクラシックが、音響系ポストロックやオルタナティヴ・ロックの文法を通して融合した1作、とでも言ったところでしょうか。

 現代におけるインディーロック、インディークラシック、ジャズが交錯する、多様な様相を持った1作。聴き方によって、次々と異なる色が見えてくる、まさに玉虫色のアルバムです。

 





Pinegrove “Cardinal” / パイングローヴ『カーディナル』


Pinegrove “Cardinal”

パイングローヴ 『カーディナル』
発売: 2016年2月12日
レーベル: Run For Cover (ラン・フォー・カヴァー)

 ニュージャージー州モントクレア出身のインディー・ロック・バンド、パイングローブの2ndアルバム。

 2012年にリリースされた1stアルバム『Meridian』は、レーベルを通さないセルフ・リリース。4年ぶりとなる本作は、マサチューセッツ州ボストンのインディーズ・レーベル、ラン・フォー・カヴァーからリリースされています。

 共にモントクレア生まれの幼なじみ、エヴァン・スティーブンス・ホール(Evan Stephens Hall)とザック・レヴィーン(Zack Levine)を中心に、2010年に結成されたパイングローヴ。

 松林を意味する「Pinegrove (pine grove)」というバンド名。エヴァン・スティーブンス・ホールが通っていた、オハイオ州のケニオン大学にある自然保護公園、ブラウン・ファミリー環境センター(Brown Family Environmental Center)に由来するとのことです。

 バンド名のとおりと言うべきなのか、楽器のオーガニックな鳴りを活かした、サウンド・プロダクションの1作です。クリーンな音作りの各楽器が組み合い、ゆるやかに躍動するアンサンブルが展開します。

 1曲目の「Old Friends」は、バンジョーやペダル・スティール・ギターが用いられ、カントリー色の濃いサウンドの1曲。リズム隊は、ドスンドスンと縦に揺らめくようにリズムを刻み、ゆるやかな躍動感のあるアンサンブルです。

 2曲目「Cadmium」は、音数を絞った隙間の多いアンサンブルながら、徐々に音が増え、グルーヴィーな演奏へと展開。複数のギターが、それぞれシンプルなフレーズを繰り返し、織物のように音楽が構成されていきます。

 4曲目「Aphasia」。前半はギターと歌のメロディーが中心に据えられた、メロウな演奏。その後、再生時間1:20あたりでドラムが入ってくると、縦に揺れるアンサンブルへと展開します。奥の方から聞こえる、ペダル・スティール・ギターの伸びやかなサウンドがアクセント。

 5曲目「Visiting」は、段階的に楽器が加わり、加速していく、ビートのハッキリした1曲。フォークやカントリーを思わせる音色の多い本作において、最もギターロック的なサウンド。

 8曲目「New Friends」は、軽快なギターの伴奏の上を、ボーカルが高らかにメロディーを重ねていく1曲。思わず体を揺らしてしまう躍動感のある演奏です。

 フォーキーなサウンドを持った、ゆるやかなギターロック、といった佇まいのアルバム。前述のとおり、全体のサウンドは穏やかですが、いきいきとした躍動感を持ち合わせています。

 1曲目が「Old Friends」から始まり、ラストの8曲目が「New Friends」で締めくくられるところも、示唆的。ルーツ・ミュージックに敬意を示しながら、現代的な感性でコンパクトなロックに仕上げている本作を、象徴しているようにも感じられます。

 





Kevin Morby “Singing Saw” / ケヴィン・モービー『シンギング・ソウ』


Kevin Morby “Singing Saw”

ケヴィン・モービー 『シンギング・ソウ』
発売: 2016年4月15日
レーベル: Dead Oceans (デッド・オーシャンズ)
プロデュース: Sam Cohen (サム・コーエン)

 テキサス州ラボック出身のシンガーソングライターでありギタリスト、ケヴィン・モービーの3rdアルバム。

 インディー・フォークバンド、ウッズ(Woods)への参加でも知られ、前作まではウッズのメンバーであるジェレミー・アールが設立したレーベル、ウッドシストからのリリース。しかし、本作からはインディアナ州ブルーミントン拠点のレーベル、デッド・オーシャンズへ移籍しています。

 アコースティック・ギターと牧歌的なボーカルを主軸にしたフォーキーなサウンドに、電子楽器を散りばめて、現代的な空気も併せ持つアンサンブルが展開される1作。

 フォークやカントリーを下敷きに、コンパクトにまとまった躍動感あふれる演奏が繰り広げられます。サウンド面でも、楽曲によってエレキ・ギターやキーボード、フルート、トランペット、ストリングスなどが導入され、派手さは無いものの、多彩さと奥行きを持っています。

 1曲目「Cut Me Down」は、イントロから揺れる高音の電子音と、アコースティック・ギターが溶け合い、柔らかなサウンドを作り上げていきます。各楽器ともシンプルで手数は少ないものの、隙間を感じさせない有機的なアンサンブルを構成。イントロから、所々で聞こえる電子音が、フォークだけにとどまらないオルタナティヴな空気を、効果的に演出しています。

 2曲目「I Have Been To The Mountain」は、タイトかつ躍動感の溢れる演奏が展開される1曲。各楽器ともリズムが正確で、輪郭のくっきりした無駄のない音を綴っていきます。トランペットと女声コーラスが楽曲を華やかに彩り、再生時間1:37あたりからのギター・ソロの音作りにはオルタナティヴ・ロックの香りが漂う、カラフルな印象の1曲です。

 3曲目「Singing Saw」は、足を引きずるように、タメをたっぷりと取ったギターに、穏やかな歌のメロディーが乗り、徐々に楽器が加わって、立体的なアンサンブルへと発展していく1曲。再生時間1:24あたりからは、ブルージーなギターと、トレモロのかかったキーボードの音が向き合い、ルーツ・ミュージックとオルタナティヴ・ロックが融合するように、音楽がさらに深みを増していきます。

 4曲目「Drunk And On A Star」では、電子的な持続音と、ギターのオーガニックな響き、ストリングスのロングトーンが重なり、多層的なサウンドを作り上げていきます。ボーカルの穏やかなメロディーも秀逸ですが、サウンド面は音響系のポストロックのようで、歌が無くとも成立しそうな1曲。

 5曲目「Dorothy」は、ジャンクな音色のギターが印象的な、ビートのはっきりしたノリの良い1曲。ギター以外にも多様なサウンドが飛び交う、カラフルなサウンド・プロダクションと、賑やかな雰囲気を持っています。

 6曲目「Ferris Wheel」は、やや不穏なアンビエントなイントロから始まり、その後はピアノと歌のみで展開される1曲。ピアノと歌のみですが、両者ともにリズムのメリハリをはじめとした表現力が豊かで、メロディーが際立つ、いきいきとした演奏が繰り広げられます。

 7曲目「Destroyer」は、一定のリズムで波が揺れるような、ゆったりとしたスウィング感を持った1曲。サウンドも、ピアノとストリングスがフィーチャーされ、生楽器をいかした穏やかなもの。しかし、レコーディング後に編集を施したのか、断片的に入ってくるドラムのリズムが、楽曲に立体感とオルタナティヴな空気をプラスしています。

 8曲目「Black Flowers」は、イントロからドラムとパーカッションが立体的に響く、楽しげで軽快な1曲。各楽器が絡み合うようにアンサンブルを構成し、手数は決して多くはないのに、音楽の情報量が非常に多く感じられます。

 9曲目「Water」は、長めの音符が重なり合う伴奏に、歌のメロディーが乗り、多層的なサウンドを作る前半から、ゆるやかに躍動するアンサンブルの後半へと展開する1曲。

 アルバム全体をとおして、フォークやカントリーといったルーツ・ミュージックへの愛情とリスペクトを感じる、牧歌的な雰囲気が充満。同時に、随所にエレキ・ギターやキーボードによる現代的なサウンドが加えられ、新しさも感じる1作です。

 ルーツと現代性の融合が、わざとらしくおこなわれるのではなく、あくまでさりげなく、メロディーを引き立たせるかたちで実現されているところに、ケヴィン・モービーという人のバランス感覚の秀逸さを感じます。

 





Ryley Walker “Golden Sings That Have Been Sung” / ライリー・ウォーカー『ゴールデン・シングス・ザット・ハヴ・ビーン・サング』


Ryley Walker “Golden Sings That Have Been Sung”

ライリー・ウォーカー 『ゴールデン・シングス・ザット・ハヴ・ビーン・サング』
発売: 2016年8月19日
レーベル: Dead Oceans (デッド・オーシャンズ)
プロデュース: LeRoy Bach (リロイ・バック)

 イリノイ州ロックフォード出身のシンガーソングライターでありギタリスト、ライリー・ウォーカーの3rdアルバム。前作『Primrose Green』に引き続き、インディアナ州ブルーミントン拠点のインディペンデント・レーベル、デッド・オーシャンズからのリリース。

 過去2作は、ライリー・ウォーカーのフィンガースタイル・ギターを中心に据えた、アコースティックなサウンドを持った作品でした。本作でも彼のギタープレイは健在ですが、よりアンサンブル志向が強まり、サウンド・プロダクションの面でも、多様な楽器が用いられ、多彩さを増した1作になっています。

 1曲目「The Halfwit In Me」は、ギターとクラリネットによるイントロに導かれ、ゆるやかにスウィングするアンサンブルが展開される1曲。バンド全体がひとつの生命体であるかのような、躍動感と生命力を感じる演奏。

 2曲目「A Choir Apart」は、ドラムの立体的で生楽器らしいサウンドと、シンセサイザーと思しき電子的なサウンドが溶け合い、ルーツ・ミュージックの香りを漂わせながら、同時に現代性を持ち合わせています。手数を絞りながらもスウィング感を生み出すドラムと、ベースのリズムの取り方からは、ジャズの香りも漂います。

 5曲目「I Will Ask You Twice」は、ギターとボーカルのみで構成された、牧歌的で穏やかな1曲。しかし、音が足りないと感じることはなく、ボーカルと複数のギターが有機的に絡み合いながら、アンサンブルを作り上げていきます。

 6曲目「The Roundabout」は、5曲目に引き続き、アコースティック・ギターがフィーチャーされた1曲。こちらには他の楽器も用いられ、カントリーを下敷きにした穏やかなサウンドを用いて、ゆるやかに躍動する演奏が繰り広げられます。高音域の柔らかなキーボードの音色がアクセント。

 8曲目「Age Old Tale」は、様々な楽器の音が聞こえるミニマルなイントロから始まり、ゆったりとしたテンポに乗せて、穏やかな海のように揺れるアンサンブルが展開される1曲。リズム隊の刻むリズムはジャズ的なスウィング感を伴い、楽曲に立体感をもたらしています。

 ライリー・ウォーカー自身は、フォークやカントリーを主な影響源に持つギタリストなのだと思いますが、前作に引き続きジャズ畑のベースのアントン・ハトウィッチ(Anton Hatwich)、ドラムのフランク・ロザリー(Frank Rosaly)が参加。彼らの参加が、本作にジャズの空気を持ち込み、多彩さの一端になっているのは事実でしょう。

 また、本作でプロデューサーを務める、元ウィルコ(Wilco)のリロイ・バック(LeRoy Bach)の貢献も見逃せません。リロイ・バックはプロデュース以外にも、ギター、ピアノ、クラリネット、パーカッション、ラップ・スティール・ギターなど、レコーディングで実に多くの楽器を演奏しており、本作のカラフルな作風を実現する、大きな要因となっているはずです。

 ライリー・ウォーカーのソロ名義で3作目のアルバムとなる本作は、これまでのフォーキーなサウンドと音楽性を引き継ぎながら、サウンドと音楽性の両面で、より多彩さと広がりを見せた1作です。