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Black Eyes “Cough” / ブラック・アイズ『コフ』


Black Eyes “Cough”

ブラック・アイズ 『コフ』
発売: 2004年6月1日
レーベル: Dischord (ディスコード)

 ワシントンD.C.出身のバンド、ブラック・アイズの2ndアルバム。本作がリリースされる前にバンドは解散し、結果的に本作がブラック・アイズの最後のアルバムとなります。

 アヴァンギャルドでジャンクなサウンドを持ちつつ、ロック的なダイナミズムと疾走感も併せ持った1stに続く今作は、前作の実験性を引き継ぎ、さらに音楽性を広げた1作と言えます。ノイジーで飛び道具的なサウンドを多分に含んでいますが、テンションで突っ切るのではなく、前作と比較してアレンジの多様性が増しているのが今作です。

 単純化を承知で言語化するなら、ハイテンションでジャンクなロックを展開していた前作に対して、アヴァンギャルドでアート・ロック色の濃い今作、といったところでしょうか。また、サックスが多用され、音楽の構造の面でも、サウンドの面でも、ジャズ色も強まっています。

 1曲目「Cough, Cough」は、音数を絞り、テンポもゆったり。ノイジーなギターからはジャンクな香りが漂いつつ、音響系ポストロックのようなサウンドの1曲。

 2曲目「Eternal Life」は、イントロからフリーでアヴァンギャルドな空気が充満した、疾走感あふれる1曲。サックスが用いられていることで、ノーウェイヴのようなアングラ臭も漂います。

 3曲目「False Positive」は、前のめり気味のリズムと、たたみかけるようなボーカルが疾走する、ジャンクでガレージなロック・チューン。ドラムのリズムからは、トライバルな雰囲気も漂います。

 4曲目「Drums」は、様々な音が、時に飛び交うように、時に浮遊するように、場を埋め尽くしていく1曲。ドラムには深くエコーがかけられ、ダブのような音像。

 5曲目「Scrapes And Scratches」は、イントロから縦を揃えた小刻みなリズムに乗って、タイトなアンサンブルが展開される1曲。

 6曲目「Fathers Of Daughters」は、無理やり押しつぶしたような歪みのギターと、フリーキーなサックスが暴れまわり、立体的なリズム隊が全体を引き締める、実験性とロック的なかっこよさが高次に同居した1曲。

 7曲目「Holy Of Holies」は、四方八方から音が飛んでくる、フリージャズのような雰囲気のイントロから始まり、騒がしくも立体的なアンサンブルが繰り広げられる1曲。ジャンクでノイジーですが、同時にフリーなかっこよさも備えています。

 8曲目「Commencement」は、サックスとギターが不協和に重なるイントロから、多層的に音が重なっていく1曲。アヴァンギャルドな空気を多分に持った曲ですが、この曲に関しては縦のリズムは比較的合っており、リズムやサウンドよりもハーモニーの点でアヴァンギャルドな1曲です。

 9曲目「Spring Into Winter」は、バウンドするように軽快に進行していく、コンパクトにまとまったジャンク・ロック。ボーカルと絡み合うように旋律を紡ぎ出すサックスがアクセント。

 10曲目「Another Country」は、2分ほどの短い1曲ですが、実験性と疾走感、グルーヴ感が凝縮されて詰め込まれた1曲。

 11曲目「A Meditation」は、タイトルのとおり瞑想的で、音響が前景化したイントロから始まる1曲。アンビエントなサウンドと、立体的なドラムが溶け合う前半から、ボーカルが入り、アングラ臭あふれるノイズ・ロックが展開される後半へ。

 前作から引き続き、ジャンクでアヴァンギャルドな要素を多分に持ちながら、ポップ・ソングとしてもギリギリ成立している音楽を構築するブラック・アイズ。2作目となる本作では、前作の音楽性を引き継ぎつつ、サックスの大々的な導入により、よりアート性の増したアヴァンギャルドなポップを奏でています。

 前述したとおり、本作を含め2枚のアルバムを残して解散してしまうブラック・アイズですが、両作ともに実験性とポップさのバランスが絶妙な、アヴァンギャルド・ポップとでも言うべき音楽を奏でています。他に似ているバンドも少なく、完成度の高い音楽を作っていたバンドなので、気になった方には是非とも聴いていただきたいです。

 





Black Eyes “Black Eyes” / ブラック・アイズ『ブラック・アイズ』


Black Eyes “Black Eyes”

ブラック・アイズ 『ブラック・アイズ』
発売: 2003年4月15日
レーベル: Dischord (ディスコード)
プロデュース: Ian MacKaye (イアン・マッケイ)

 ワシントンD.C.出身のバンド、ブラック・アイズの1stアルバム。地元ワシントンD.C.を代表するレーベル、ディスコードからのリリースで、レコーディング・エンジニアをドン・ジエンターラ(Don Zientara)、プロデューサーをイアン・マッケイ(Ian MacKaye)が担当。

 変則的な5人編成のバンドで、ツイン・ドラム、ツイン・ベース、ギターを基本としながら、メンバーは曲によって別の楽器もこなしていきます。そんな変則的な編成の5人組によって、ジャンクでアヴァンギャルドな音楽が繰り広げられるアルバム。

 ノイジーなギターを中心に据えたジャンク・ロックあり、フリージャズを彷彿とさせるニューヨーク的なアングラ臭もあり、ハードコア直系の絶叫ボーカルありと、アヴァンギャルドであるのは事実ですが、非常に多彩な音楽性を持った作品です。

 また、実験性が高い音楽を志向しているのに、同時にコンパクトなロック・チューンとしても成り立つポップさを併せ持っているのが、このバンドの音楽性の優れた点です。

 1曲目「Someone Has His Fingers Broken」は、2台のドラムがポリリズミックに絡み合い、ギターはフリーで耳障りなフレーズを繰り出す、アヴァンギャルドな1曲。ですが、敷居が高い難しい音楽というわけではなく、ボーカルも入り、歌モノとしても成立しているのが凄い。

 2曲目「A Pack Of Wolves」は、ギターの奇妙な音色とフレーズに導かれ、各楽器が複雑に絡み合い、ブチギレ気味のボーカルも相まって、アングラ色の濃い1曲。

 3曲目「Yes, I Confess」は、イントロからメタリックな音色のドラムが鳴り響く、ジャンクな1曲。ノイジーなサウンドが絡み合う、実験性の高いアレンジですが、ベースとドラムのリズム隊はダイナミックで、ロック的なかっこよさに溢れています。

 4曲目「On The Sacred Side」は、手数を絞り、立体的かつパワフルなアンサンブルが展開される1曲。

 5曲目「Nine」は、ビートがはっきりしており、疾走感のある曲。ジャンクでノイジーなロック。

 6曲目「Speaking In Tongues」は、ボーカルも含め、各楽器が有機的に絡まり、立体的なアンサンブルが構成される1曲。サウンドにも臨場感があり、一般的なロックが持つかっこよさを多分に持っています。とはいえ、メロディアスとは言えないボーカルや、飛び道具のようなファニーな音色など、アヴァンギャルドな空気も共存。

 7曲目「Deformative」は、乾いたドラムの音色と、高音域が耳障りなギターが絡み合う、グルーヴ感と疾走感あふれる曲。

 8曲目「King’s Dominion」は、タイトなリズム隊の上にフリーなボーカルが乗る、ヒップホップ的な構造を持った1曲。ボーカルはラップを意識しているのは間違いないのですが、一般的なラップ・ミュージックよりもジャンクでノイジー、アヴァンギャルドな空気を持っています。

 9曲目「Day Turns Night」は、多様なノイズが飛び交う中、絶叫系のボーカルが絡み合う、アヴァンギャルドな空気が充満した1曲。

 10曲目「Letter To Raoul Peck」は、各楽器が折り重なりながら、躍動感を持って前進していくアンサンブルが特徴の1曲。随所に散りばめられたノイズ的なサウンドもアクセントになっています。

 アレンジは実験性が高く、サウンド・プロダクションもジャンクでノイジー。しかし、歌モノのポップ・ミュージックとしても成立していて、アルバム全体を通してカラフルな印象すらあります。

 テンションの高い絶叫系のボーカルは、決してメロディアスとは言えないものの、ただのノイズでもなく、疾走感とハイ・テンションを演出。全体としてはアヴァンギャルドではあるのですが、ロック的なグルーヴと疾走感も併せ持っています。

 冒頭でも書きましたが、このバランス感覚が、このバンドおよびアルバムの特異な点であり、魅力であると言えるでしょう。

 





Wolf Eyes “Burned Mind” / ウルフ・アイズ『バーンド・マインド』


Wolf Eyes “Burned Mind”

ウルフ・アイズ 『バーンド・マインド』
発売: 2004年9月28日
レーベル: Sub Pop (サブ・ポップ)

 1996年にネイト・ヤング(Nate Young)のソロ・プロジェクトとして始動したウルフ・アイズ。1998年にアーロン・ディロウェイ(Aaron Dilloway)、2000年にジョン・オルソン(John Olson)が加入し、本作は3人編成で制作されています。アメリカを代表する、ノイズ・ミュージック、エクスペリメンタル・ミュージックのグループのひとつ。

 カセットやCD-Rでの自主リリース、コラボレーションやスプリット作品も含め、非常に多作なグループですが、本作はシアトルの名門レーベル、サブ・ポップからのリリース。一般的にはグランジのイメージが強いサブ・ポップですが、ドローン・メタルの代表的グループ、アース(Earth)と契約したこともあり、その音楽性の幅広さには驚かされます。

 前述したとおり、非常に多作なグループであり、僕自身も彼らの活動の変遷を把握できているわけではありませんが、本作はノイズ・ミュージックとしては聴きやすく、普段このジャンルを聴かない方にも、かっこいいと思うポイントがある作品ではないかと思います。とは言え、ある程度リスナーを選ぶ音楽であるのも事実。

 ジャンルとしての「ノイズ」と言うと、耳障りな音が鳴り響く、敷居の高い音楽であるというイメージをお持ちの方もいらっしゃると思いますが、本作にはロックが持つサウンドとしての攻撃性が凝縮されたような、濃密な音のかっこよさがあります。

 1曲目「Dead In A Boat」は、嵐の前の静けさと言うべき、わずかに音がポツリポツリと聞こえるイントロを経て、再生時間0:45あたりからノイズの嵐が押し寄せます。まずは、イントロダクション的な1曲。

 2曲目「Stabbed In The Face」は、ノイズであるのは確かですが、リズム、メロディー、ハーモニーらしきものが感じられる1曲。極限までアグレッシヴなパンクとでも呼びたくなる音楽です。

 4曲目「Village Oblivia」の前半は、飛び交うノイズの奥から、絞り出すようなシャウトが響く、多層的なサウンド。その後、再生時間1:08あたりから、ノイジーな音の塊が、波のように一定のタイミングで押し寄せます。歪んだギターやシャウトがもたらす攻撃性が、圧縮されたようなソリッドな音。

 6曲目「Rattlesnake Shake」は、倍音たっぷりの持続するノイズと、羽のようにはためくノイズ、ダークなボーカルが重なる、アンビエント色の濃い1曲。

 7曲目は、アルバム表題曲の「Burned Mind」。工場の作業音を連想させる、様々なサウンドが四方八方で鳴る1曲です。わかりやすい構造や展開は持たないものの、多種多様なサウンドの中から、リズムと展開らしきものが立ち上がってくるような感覚があります。

 8曲目「Ancient Delay」は、攻撃性は控えめに、分厚いサウンドの電子音がその場を埋めつくす、音響的なアプローチの1曲。アンビエントで、エレクトロカ色の濃い曲です。

 9曲目は、「Black Vomit」=「黒い嘔吐物」と名づけられた、8分を超える大曲。ゆったりと一定のリズムが打ち鳴らされる、ミニマルでアンビエントな前半を経て、再生時間3:18あたりからボーカルが加わり、テンション高くノイズが飛び交う後半へ。

 一般的なロックやポップスには用いられるこの少ない、ノイズと言って差し支えないサウンドで作り上げられたアルバムですが、アグレッシヴな歪みや音圧には、凝縮されたかっこよさがあります。ロックに用いられるディストーション・ギターも、本来は入力レベルを超えて歪んだ音ですから、本作の耳障りなサウンド・プロダクションも、いずれはかっこいい音として認識されるかもしれません。

 少なくとも僕は、この作品が持つ圧倒的なサウンドに、かっこいいと思う瞬間がいくつもあります。ある程度は敷居が高く、この種の音楽を必要としない方もいらっしゃるとは思いますが、なんとなく聴く音楽がなくなってきて刺激が欲しい!という方は、是非とも聴いてみてください。





Storm & Stress “Storm & Stress” / ストーム・アンド・ストレス『ストーム・アンド・ストレス』


Storm & Stress “Storm & Stress”

ストーム・アンド・ストレス 『ストーム・アンド・ストレス』
発売: 1997年7月8日
レーベル: Touch And Go (タッチ・アンド・ゴー)
プロデュース: Steve Albini (スティーヴ・アルビニ)

 バトルスとドン・キャバレロでの活動で知られるイアン・ウィリアムスが在籍していたバンド、ストーム・アンド・ストレスの1stアルバムです。

 バトルスの色彩豊かなサウンド・プロダクション、ドン・キャバレロの凝縮されたダイナミズムと比較すると、本作で聴かれるのは実験性が高い音楽です。ガチガチに複雑なアンサンブルを組み上げるマスロックというより、フリーな雰囲気の演奏が展開されます。

 ギターも、鋭い歪みや、音圧高めの重いサウンドは控えめに、ナチュラルに近い音質が多用されています。

 1曲目「We Write Threnodies. We Write With Explosions」は、12分を超える曲ですが、音数は少なく、隙間の多いアンサンブルです。ドラムはところどころ、叩きつけるように手数の多さを見せます。

 2曲目の「Today Is Totally Crashing And Stunned In Bright Lights」も、ちょうど10分ぐらいの長さを持つ1曲。特に前半は、1曲目以上に実験的かつミニマルな演奏が展開されます。フレーズというより、フレーズの断片のようなギターとドラムの音が、それぞれ絡み合うでもなく、同時に鳴っている、という感じです。

 4曲目「Micah Gaugh Sings All Is All」は、不安定な音程のピアノの伴奏に乗せて、ボーカルがメロディーを紡ぐ1曲。アルバムのなかでインタールード的、箸休め的な1曲になっています。

 5曲目「Guitar Cabinet Stack Way High Is Freedom [Or] Gravity Gives Us Rhythm」は、イントロから、ギターとドラムがアンサンブルを形成するでもなく、フレーズを繰り出していきます。やがて、グルーヴらしきものが生まれていきますが、かなりフリーな曲であるのは確かです。

 7曲目「Orange Cone Made No Noise」は、飾り気のないボーカルから始まり、各楽器が絡み合うようにフリーな演奏を始める展開。中盤は音数が減り、アンビエントな雰囲気へ。

 前述したとおり、バトルスやドン・キャバレロと比較すると、展開やアンサンブルが実験的で、やや敷居の高いアルバムであると思います。あと書いてて気がつきましたけど、曲名が全部長い(笑) 無理やりジャンル名を用いてあらわすなら、かなりエクスペリメンタル色の濃いマスロックです。

 ロック的なグルーヴ感やアンサンブル、バンドが塊になったダイナミズムは希薄で、各楽器のフレーズが断片的に配置されたような耳ざわりの1枚。その代わりに、各楽器のプレイが前景化され、ギターやドラムのむき出しのかっこよさにスポットライトが当たります。ボーカルも入っていますが、メロディーを歌うよりもむしろ、素材として使用されています。

 しかし、随所にかっこいい瞬間があるのは事実で、ロック的なグルーヴ感とは違う、新しいグルーヴやアンサンブルを追求したアルバムとも言えます。

 





Animal Collective “Campfire Songs” / アニマル・コレクティヴ『キャンプファイア・ソングス』


Animal Collective “Campfire Songs”

アニマル・コレクティヴ 『キャンプファイア・ソングス』
発売: 2003年3月
レーベル: Catsup Plate (ケチャップ・プレート), Paw Tracks (ポウ・トラックス)

 一般的に、アニマル・コレクティヴの作品と見なされていますが、実際はアルバム・タイトルと同じ「Campfire Songs」というバンド名で発表された作品です。

 2003年にCatsup Plateというレーベルからリリースされ、その後2010年にPaw Tracksから再発されています。

 「Campfire Songs」という示唆的なアルバム・タイトルのとおり、フィールド・レコーディングされた音源と、アコースティック・ギターを中心に据えた、ミニマルなアンサンブルが溶け合う1作。本当に「溶け合う」という表現がぴったりだと思います。

 電子的なドローンと小刻みなビートが溶け合う、あるいはエレクトリックなサウンドと生楽器のサウンドが溶け合う、という音楽もありますが、本作はフィールド・レコーディングされた自然の音と、演奏される人工的な音楽が、共存した作品です。川や風の音、動物の鳴き声が、人工的な音と混じり合い、共に音楽を作り上げています。

 奏でられる音楽が、フィールド・レコーディングをかき消すことのない音量バランスで、重ねられています。そのため、楽器の音が小さいと感じる方もいらっしゃるかもしれません。

 1曲目の「Queen In My Pictures」では、フィールド・レコーディングされた風と虫の音に、さらにそよ風が吹き抜けるようにアコースティック・ギターが響きます。徐々にギターの音量が上がってくると、アコギとまわりの音が完全に一体化。自然の音なのか、それとも後から重ねられたパーカッションの音なのか、わからなくなってきます。

 「音」と「音楽」の境界が曖昧になり、音楽とは何かを考えさせられる1曲…と書くと敷居が高そうですが、人工音と自然音を公平にあつかい、耳に心地よいサウンドの詰まった1曲です。アンディ・ウォーホルがアートにおいて示したように、ある音に意識を向けさせることで、音を音楽に転化させている面もある曲だと思います。

 2曲目の「Doggy」は、イントロからアコギのコード・ストロークが響きわたる、いきいきとしたリズムを持つ1曲。フィールド・レコーディングの音は、かき消されてしまったかのように感じますが、後景化しただけで奥の方で鳴り続け、サウンドに奥行きをもたらしています。

 4曲目「Moo Rah Rah Rain」は、自然の音と、アコースティック・ギターと歌が、有機的にアンサンブルを形成しているように感じられる1曲。音響を前景化させた曲にも聞こえます。

 5曲目「De Soto De Son」は、自然の音がリズムの一部になり、アンサンブルに参加するかのように、アコースティック・ギターの奏でる音と絡み合う1曲。

 実験的でありながら、同時にポップであることは可能だと示した1作だと思います。「フィールド・レコーディングと演奏の融合」というと敷居が高い、少なくとも、いわゆるポップ・ミュージックとは異なる楽曲である印象を受けます。

 確かに、本作に収録された楽曲は、一般的なポップスとは異なった質を持っています。しかし、全く楽しめない、難解な音楽かというとそうではなく、穏やかな自然の音の延長線上に音楽が鳴っていて、聴いていて非常に心地いいサウンドに仕上がっています。

 正直、僕は初めてこのアルバムを聴いたとき、ピンと来なかったのですが、しばらく時間が経って、ふとしたときに聴いてみたら、ものすごく美しい音楽に聴こえてきたのです。

 実験的な作品であるのは事実で、誰にでも自信を持ってオススメできるかと問われると、そうではないのですが、気になった方には、ぜひとも聴いてほしい作品です。