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They Might Be Giants “They Might Be Giants” / ゼイ・マイト・ビー・ジャイアンツ『ゼイ・マイト・ビー・ジャイアンツ』


They Might Be Giants “They Might Be Giants”

ゼイ・マイト・ビー・ジャイアンツ 『ゼイ・マイト・ビー・ジャイアンツ』
発売: 1986年11月4日
レーベル: Bar/None (バーナン)
プロデュース: Bill Krauss (ビル・クラウス)

 マサチューセッツ州リンカーンで出会い、10代の頃から仲が良かったジョン・フランズバーグ(John Flansburgh)とジョン・リネル(John Linnell)により結成された2ピース・バンド、ゼイ・マイト・ビー・ジャイアンツ。本作は彼らの1stアルバムで、通称「ピンク・アルバム」(The Pink Album)とも呼ばれます。

 また、ニュージャージー州のインディー・レーベル、Bar/Noneが契約した2つ目のバンドであり、同レーベル2枚目のアルバムでもあります。(1枚目は、レイジ・トゥ・リブ(Rage To Live)の1stアルバム『Rage To Live』)

 前述したとおり、2人組のバンドであり、レコーディングやライブではサポート・メンバーを迎えることもあるものの、本作ではほとんど全ての楽器を2人で演奏しています。例外は、13曲目の「Boat Of Car」で、マーガレット・セイラー(Margaret Seiler)がリード・ボーカルを、14曲目の「Absolutely Bill’s Mood」では、ジャズ・ギタリストのユージン・チャドボーン(Eugene Chadbourne)
がギターを務めています。

 それ以外は、メンバー2人で全ての楽器を担当。本作での主な担当楽器は、フランズバーグが、ギター、ベース、ハーモニカ。リネルが、アコーディオン、キーボード、シンセベース、サックス。作曲とボーカルは2人とも担当し、ドラムとベースは打ち込みも使用されています。

 そんな2人が鳴らすのは、様々な音が散りばめられた、カラフルでポップな音楽。アコーディオンや電子音など、ギター以外の音色が重用され、ややローファイ風味の親しみやすいサウンド・プロダクションも欠点ではなく、魅力に転化してします。

 1曲目「Everything Right Is Wrong Again」から、歪んだギターと、チェンバロのような倍音たっぷりの音色のキーボードが、軽快に疾走する1曲。再生時間0:58あたりからはテンポを落とし、空間系エフェクターのかかったギターがサイケデリックな空気を振りまきます。さらに、再生時間1:40あたりから元のテンポに戻ると、ピコピコ系の電子音が加わって、おもちゃのようなサウンドになり、色鮮やかな展開。

 2曲目「Put Your Hand Inside The Puppet Head」は、ドラムマシーンが刻むタイトなリズムに、テクノポップ的な電子音が絡み合う1曲。軽さを持ったボーカルも、バックのサウンドとマッチしていて、ポップな世界観を作り上げます。

 3曲目「Number Three」は、厚みのあるコーラスワークと、アコースティック・ギターのリズムから、カントリーが感じられる1曲。しかし、良い意味でカントリー色が薄く、ポップ色が色濃く出ています。

 5曲目「Hide Away Folk Family」は、イントロからクリーントーンのギターと、口笛のようなサウンドが響き、ボーカルも穏やかで、牧歌的な雰囲気の1曲。ですが、歌詞をじっくり聞いてみると、「隠れて! さもないと捕まっちゃうよ!」というようなことを歌っていて、ちょっとホラーな内容です。再生時間1:58あたりからハードに歪んだギターが入ってくる部分も象徴的ですが、サウンド的にも歌詞的にも、ちょっとねじれたところがあるのが、このバンドの魅力だと思います。

 8曲目「Rabid Child」は、揺らぎのあるキーボードと、シンセベースと思われる野太いサウンドが、独特の浮遊感あるアンサンブルを構成する1曲。ドラムはイントロからしばらくはシンプルですが、再生時間0:52あたりから立体的にリズムを刻み、アクセントになっています。

 9曲目「Nothing’s Gonna Change My Clothes」は、小刻みにリズムを刻むドラムに、キーボードやギター、ボーカルが立体的に重なり、アンサンブルを作り上げていきます。随所で聞こえるファニーなサウンドも、曲をカラフルに彩っています。

 13曲目「Boat Of Car」には、マーガレット・セイラーがゲスト・ボーカルとして参加。1分ちょっとの短い曲ですが、やや倍音多めのチープなキーボードの音色と、彼女のシリアスなボーカルが、絶妙なバランスで溶け合った1曲です。

 14曲目「Absolutely Bill’s Mood」には、ジャズ・ギタリストのユージン・チャドボーンが参加。演劇じみたボーカルに、チャドボーンのフリーなギターが絡み合い、ノー・ウェーブなど、ニューヨークのアンダーグラウンドを思わせる1曲です。

 打ち込みと多重録音を駆使した、2ピースの手作り感あふれる作品です。限られた機材で、一般的な3ピースや4ピース・バンドとは一線を画した、独自のポップな世界観を構築しています。彼らの溢れるクリエイティヴィティが感じられる1作。

 また、ポップなだけではなく、実験性も随所に隠し味のように含まれていて、音楽に深みがあるところも、彼らの魅力だと思います。





Mudhoney “Mudhoney” / マッドハニー『マッドハニー』


Mudhoney “Mudhoney”

マッドハニー 『マッドハニー』
発売: 1989年11月1日
レーベル: Sub Pop (サブ・ポップ)
プロデュース: Jack Endino (ジャック・エンディーノ (エンディノ))

 1984年にワシントン州シアトルで結成されたバンド、グリーン・リヴァー(Green River)。そのグリーン・リヴァーの内紛により、マーク・アーム(Mark Arm)とスティーヴ・ターナー(Steve Turner)を中心に、1988年に結成されたのがマッドハニーです。また、グリーン・リヴァーのメンバーだった、ストーン・ゴッサード(Stone Gossard)とジェフ・アメン(Jeff Ament)は、パール・ジャムを結成。共に、90年代のグランジ・オルタナを代表するバントとなります。

 マッドハニーとパール・ジャムの音楽性を比較すると、アリーナ・ロック色の強いパール・ジャムに対して、ガレージやグランジの色が濃いマッドハニー。同じ「オルタナティヴ・ロック」と「グランジ」を代表するバンドであり、共通する部分もありながら、音楽に対するアプローチには、明確な差異も感じられます。

 単純化して言ってしまえば、整然としたアンサンブルと、音圧の高いパワフルな音像を持ち、商業的な成功も目指すパール・ジャムに対して、サウンドにもアンサンブルにも生々しくラフな部分を残し、商業的な成功よりもあくまで自分たちの音楽を追求するマッドハニー、ということになろうかと思います。このような差異が生まれるのは、元々グリーン・リヴァーで活動を共にしていたメンバーが、方向性の違いから袂を分かつことになったのだから、当然と言えば当然です。

 さて、そんなマッドハニーの1stアルバムは、ガレージ・ロックの香り漂う、ざらついたサウンド・プロダクション。ですが、ビートを強調した疾走感重視のアルバムではなく、揺らぎのある立体的なアンサンブルが展開されるアルバムです。各楽器のサウンドともパワフルで、ほどよくラフなドタバタ感のある演奏は、グランジ・オルタナの名盤と呼ぶにふさわしいクオリティを持つ1作です。

 1曲目の「This Gift」は、ざらついた音色のギターに、叩きつけるようなドラムが下から波のように押し寄せ、躍動感のあるアンサンブルが展開。トレモロを使用したギターもアクセントになり、楽曲に奥行きを与えています。

 2曲目「Flat Out Fucked」は、そこまでテンポが速いわけではないのに、バンドが塊になって迫ってくるような迫力と一体感のある1曲。

 3曲目「Get Into Yours」は、イントロからギターとドラムが、ぴったりと合うのではなく、お互いのリズムを噛み合うように、ラフに進行していく1曲。再生時間0:58あたりからのサビと思われる部分では、リズムを合わせ疾走感を演出。そのコントラストも鮮やかです。

 5曲目「Magnolia Caboose Babyshit」は、各楽器とも直線的なリズムではなく、捻れや動きのあるフレーズを繰り出し、駆け抜けていく1曲。1分ほどのインスト曲ですが、インタールード的な役割以上の存在感があります。

 6曲目「Come To Mind」は、テンポは抑えめ。気の抜けたようなギターの音色と、ゆったりとしたアンサンブルからは、サイケデリックな空気が漂う1曲。

 7曲目「Here Comes Sickness」は、耳に絡みつくような歪んだサウンドのギターと、弾むような躍動感のあるリズム隊が溶け合う1曲。特にドラムはパワフルで立体感のあるプレーを聞かせ、その上を自由にギターが暴れまわります。

 12曲目「Dead Love」は、バンド全体がバウンドするような、一体感と疾走感のある曲。ドラムは立体的に響き渡り、ワウを使用したギターも絡みつくようにアクセントになっています。ボーカルも伴奏の上にメロディーを乗せるというより、バンドと絡み合うようなバランス。

 オリジナル盤は12曲収録ですが、2009年に再発された日本盤にはボーナス・トラックが2曲が追加され、14曲収録となっています。

 生々しく、ざらついたサウンドで、立体感のあるパワフルなアンサンブルが展開される1作。ギターの使用されるワウや、多様なリズムを叩き分けるドラムが、時にガレージ色を強め、時にサイケデリックな空気を振りまき、アルバム全体をカラフルに彩っています。

 前述したグリーン・リヴァーからの流れを含めた、オルタナティヴ・ロック及びグランジの歴史的価値もさることながら、クオリティの面でも、グランジの古典的名盤であり、初期サブ・ポップを代表するアルバムと言えます。

 





 


Dinosaur Jr. “You’re Living All Over Me” / ダイナソーJr.『ユーアー・リビング・オール・オーバー・ミー』


Dinosaur Jr. “You’re Living All Over Me”

ダイナソーJr. 『ユーアー・リビング・オール・オーバー・ミー』
発売: 1987年12月14日
レーベル: SST (エス・エス・ティー)
プロデュース: Wharton Tiers (ウォートン・ティアーズ)

 マサチューセッツ州アマースト出身、グランジ・オルタナブームを代表するバンドのひとつ、ダイナソーJr.の2ndアルバム。

 1stアルバム『Dinosaur』は、ニューヨークを拠点にするインディー・レーベル、ホームステッド(Homestead Records)からのリリース。1stアルバムのリリース後、ニューヨークを拠点にするソニック・ユースに認められ、2ndアルバムである今作は、当時のソニック・ユースと同じくSSTからのリリースとなります。

 激しく歪んだギターを中心に据えて、多彩なアンサンブルが展開されるアルバム。ダイナソーJr.の魅力は、轟音一辺倒ではなく、同じ歪みでも適材適所でサウンドを使い分け、カラフルな世界観を描き出すところです。同時に、3人の個性がぶつかり合う緊張感、ヒリヒリとした焦燥感も共存しています。

 流れるようなメロディーと、ノイジーなサウンドが溶け合い、ダイナソーJr.特有の音世界が繰り広げられるアルバムです。

 1曲目「Little Fury Things」では、ワウがかかったギターと、圧縮されたようなノイジーなギター、ボーカルのシャウトが、イントロから鳴り響きます。歌メロが始まると、ボーカルは穏やかで、思いのほか緩やかなグルーヴが形成される1曲。ソニック・ユースのリー・ラナルドが、バッキングボーカルで参加しています。

 2曲目の「Kracked」は、野太く歪んだギターと、高音域を使ったギターが絡み合う、疾走感のある1曲。

 6曲目「Tarpit」は、圧縮されたギターのサウンドと、シンプルなリズム隊からは、シューゲイザーの香りもします。曲の終盤、再生時間3分過ぎからは、空間を埋め尽くす轟音ギターが押し寄せます。

 7曲目「In A Jar」は、シンプルながら、各楽器が有機的に絡み合うアンサンブルが展開される1曲。J-POP的な感性からすると、メロディーの展開や起伏が少なく淡々と進んでいきますが、単調という感じはしません。その理由はバンドのアンサンブルが前景化され、歌メロ以外にも聴くべき要素があるからでしょう。再生時間2:30あたりからのギターソロは、メロディアスに響きます。

 8曲目「Lose」は、イントロからギターが唸りをあげる疾走感あふれる1曲。複数のギターが重なり、音の壁のような厚みのあるサウンドを作り上げます。

 前述したとおり、多種多様なギターのサウンドを用いて、各楽器がせめぎ合うようなアンサンブルが構成される1作です。一体感というよりも、お互いの力を誇示するようなスリルがあります。

 そんなアンサンブルに、J・マスシスの無気力で気だるいボーカルが乗り、一聴するとノイジーでレイジーな雰囲気ですが、メロディーラインは耳に残り、彼のソング・ライティング能力の高さも垣間見えます。

 ダイナソーJr.のアルバムは、作品によって音質と音楽性に微妙に差違がありますが、本作『You’re Living All Over Me』は、彼らの作品のなかでも傑作と言っていい1作だと思います。

 





Dinosaur Jr. “Bug” / ダイナソーJr.『バグ』


Dinosaur Jr. “Bug”

ダイナソーJr. 『バグ』
発売: 1988年10月31日
レーベル: SST (エス・エス・ティー)

 マサチューセッツ州アマーストで結成されたバンド、ダイナソーJr.の3rdアルバムです。2ndアルバム『You’re Living All Over Me』に続き、SSTからのリリース。

 1990年代のグランジ・オルタナブームを代表するバンドと目されるダイナソーJr.。現代的なハイファイ・サウンドから比較すれば、音圧が圧倒的に高いというわけではないけど、彼らの轟音ギターにはキレと奥行きがあり、時空を切り裂くように、なおかつ耳に心地よく響きます。

 「グランジ」や「オルタナ」といったジャンル名、また彼らの音楽性を形容するときにしばしば用いられる「轟音」というワードが帯びる先入観を抜きにして聴くと、音作りの巧みさ、特に歪んだギター・サウンドの多様性には驚かされます。

 1曲目「Freak Scene」は、イントロからクランチ気味のギターとリズム隊が、コンパクトなロックを響かせます。再生時間0:31あたりから、堰を切ったようになだれ込んでくる轟音ギター。クリーン・トーンから、激しく歪んだディストーションまで、様々なサウンドのギターを効果的に使い分けるのが、このバンドの魅力。

 2曲目「No Bones」は、イントロから、やや潰れたように歪んだギターが響きわたります。テンポは抑え目に、物憂げなボーカルと、激しく歪んだギターが溶け合い、スピードではなくサウンドでエモーションを描き出す1曲。再生時間1:35あたりから加わるアコースティック・ギター、再生時間1:57あたりから唸りをあげる歪んだギターなど、段階的に異なるサウンドのギターが用いられ、楽曲に奥行きと多彩さをもたらしています。

 3曲目「They Always Come」は、イントロから、倍音たっぷりの厚みのあるディストーション・ギターが曲を先導し、バンド全体もタメを使って加速感を演出する、疾走感のある1曲。

 5曲目「Let It Ride」は、金属的なサウンドのギターが、耳をつんざくように鋭く響き、ややルーズなボーカルも、ジャンクな雰囲気をプラスする1曲。

 7曲目「Budge」は、ギターのサウンドもコーラスワークも、多層的で厚みのある1曲。音が洪水のように押し寄せ、塊感のあるサウンドを持っています。

 「轟音」という意味では、もっと音圧が高く、一聴すると迫力のあるサウンドを鳴らすバンドはいますが、ダイナソーの魅力はサウンド・プロダクションにこだわりが感じられ、非常に耳ざわりが良いところです。

 歪みにも種類を持たせ、クリーントーンも効果的に導入し、楽曲をカラフルに彩っています。轟音一辺倒に頼るのではなく、コントラストによって轟音の効果を最大限に引き出すところもさすがだなと思いますね。

 





Butthole Surfers “Locust Abortion Technician” / バットホール・サーファーズ『ローカスト・アボーション・テクニシャン』


Butthole Surfers “Locust Abortion Technician”

バットホール・サーファーズ 『ローカスト・アボーション・テクニシャン』
発売: 1987年3月
レーベル: Touch And Go (タッチ・アンド・ゴー)

 テキサス州サンアントニオ出身のバンド、バットホール・サーファーズの3rdアルバムです。

 とにかく変な音を出しまくるバンド、バットホール・サーファーズ。本作『Locust Abortion Technician』も、オルタナティヴやアヴァンギャルドというより、「ワルノリが過ぎる」と言った方が適切なアルバムです。音楽の下地には、シンプルなロックが見え隠れしますが、表層的にはファニーな音やアレンジが耳につきます。

 ジャンクで実験的でサイケデリック。とっ散らかった音楽が展開されますが、各曲とも不思議なまとまりがあります。とはいえ、一般的にはかなりエキセントリックな作品なので、知り合いや家族が近くにいる場所で聴くときは、注意しましょう。

 1曲目は「Sweat Loaf」。タイトルから想像できる方もいらっしゃると思いますが、ブラック・サバスの「Sweet Leaf」のオマージュで、ギター・リフをそのまま拝借しています。しかし、ギターの音質はブラック・サバス的なハード・ロックを感じさせるものではなく、もっと下品でジャンクな響きを持ったもの。

 ボーカルもメロディアスでは決してなく、笑い声や叫び声が飛び交う曲です。アルバム冒頭から、先行きが楽しみになってきます(笑)

 2曲目「Graveyard」も、イントロからノイジーかつヘロヘロな高音ギターが響き渡ります。慣れてくると、何も感じなくなってきてしまいますが、この曲もかなり変な曲です。下品に歪んだギターが、突拍子もないフレーズを随所の差し込み、エフェクトがかかり過ぎたボーカルが、うめき声のように響きます。

 3曲目「Pittsburg To Lebanon」のイントロには、さわやかな鳥のさえずりがサンプリングされています。しかし曲自体はさわやかとは程遠く、重たく引きずるようなスローテンポに、つぶれるほど歪んだリズム・ギターと、耳障りなリード・ギターが乗り、ボーカルは嘔吐でもするかのような、下品な歌い方。実にバットホール・サーファーズらしい1曲だと思います。

 6曲目の「Human Cannonball」は、ドタバタしたドラムのリズムに、フリーキーなボーカルと、自由でノイジーなギターが乗っかる1曲。全体のサウンド・プロダクションは、かなり奇妙なのは事実ですが、ノリが良く、普通のロックのように聴くことも可能です。

 7曲目「U.S.S.A.」は、ボーカルも含め全ての楽器が下品に歪んでいて、一体感…というより塊感のある1曲。アンサンブルがどうこうという楽曲ではなく、ボーカルにも加工がなされているため、聴く人によっては、プレイヤーが故障したと勘違いするかもしれません。

 アルバムを通して、とにかく下品でジャンクな空気が充満した1作です。ただ、実験性が高すぎて聴きにくいかというと、ドラムのリズムやギター・リフなど、音楽として楽しめる要素を残した曲が多く、意外と普通に聴けます。まったくポップ・ソングの体をなしてないトラックも、中にはありますが(笑)

 これは価値観によるんでしょうが、バットホール・サーファーズを聴いたときに人の反応は、不快に顔をしかめるか、ワルノリに笑ってしまうか、のいずれかが多いのではないでしょうか。僕は後者です。

 意味わかんない音楽やってるんだけど、アレンジやエフェクトにポストロック的な要素を感じたり、エキセントリックなロックとして聴けたり、個人的には面白いアルバムだなと思います。