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The Murder City Devils “Empty Bottles, Broken Hearts” / ザ・マーダー・シティ・デヴィルズ『エンプティ・ボトルズ・ブロークン・ ハーツ』


The Murder City Devils “Empty Bottles, Broken Hearts”

ザ・マーダー・シティ・デヴィルズ 『エンプティ・ボトルズ・ブロークン・ ハーツ』
発売: 1998年9月22日
レーベル: Sub Pop (サブ・ポップ)
プロデューサー: Jack Endino (ジャック・エンディーノ)

 ワシントン州シアトル出身のバンド、ザ・マーダー・シティ・デヴィルズの2ndアルバム。

 1997年にリリースされたデビュー・アルバム『The Murder City Devils』は、ダイ・ヤング・ステイ・プリティー(Die Young Stay Pretty Records)というサブ・ポップのサブレーベルから発売。この2ndアルバムより、サブ・ポップ本体からのリリースとなっています。

 ダイ・ヤング・ステイ・プリティーというレーベルは全く知らなかったのですが、他にはネビューラ(Nebula)や、アフガン・ウィッグス(Afghan Whigs)の作品を、リリースしたことがあるようです。

 グランジ・ブームが過ぎ去り、ロックンロール・リヴァイヴァルも夜明け前の90年代後半。グランジのお膝元シアトルで、当時としては異彩を放つほどシンプルなロックンロールを鳴らしていた、ザ・マーダー・シティ・デヴィルスの2ndアルバム。

 古のガレージロックを彷彿とさせる音像に、グランジのざらつきが加わり、若干のモダンさもプラス。ただ、根底にあるのは、古き良きロックンロールやガレージロックであるのは間違いありません。

 3曲目「18 Wheels」や5曲目「Ready For More」におけるオルガンの音色、4曲目「Left Hand Right Hand」のトレモロで揺れるギターサウンド、9曲目「Johnny Thunders」のうねるギターのフレーズなど、サイケな空気も共存。

 1960年代のロックンロールやガレージロック、サイケデリック・ロックに、グランジ的な音圧をプラスしたバンドとも言えるでしょう。

 ただ、グランジ・ブームが去ったとはいえシアトルのバンド。さらにレーベルはサブ・ポップ、プロデューサーを務めるのは、グランジ界隈の多くのバンドを手がけたジャック・エンディーノ。

 そのわりにはグランジ色が薄く、前述のとおり懐古趣味の強い音楽性を持っています。これもブームの強さゆえなのか、この時代は逆にグランジ的なアプローチを、みんな避けていたのかな、とも思いますね。

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At The Drive-In “In/Casino/Out” / アット・ザ・ドライヴイン 『イン・カジノ・アウト』


At The Drive-In “In/Casino/Out”

アット・ザ・ドライヴイン 『イン・カジノ・アウト』
発売: 1998年8月18日
レーベル: Fearless (フィアレス)
プロデュース: Alex Newport (アレックス・ニューポート)

 メキシコ国境に近い街、テキサス州エルパソ出身のバンド、アット・ザ・ドライヴインの2ndアルバム。

 前作『Acrobatic Tenement』は、カリフォルニア州のファンジン兼レコード・レーベル、フリップサイド(Flipside)からのリリースでしたが、本作は同じくインディーズながら、より大規模なレーベル、フィアレスからのリリース。

 パンク・ロックが持つ疾走感と初期衝動。プログレッシヴ・ロックが持つ複雑性。その両方を持ち合わせ、テクニカルかつスリリングな演奏を繰り広げるのが、アット・ザ・ドライヴインの特徴であり魅力です。

 1曲目の「Alpha Centauri」から、すべての楽器が前のめりになり、エモーションをそのまま変換したかのような音が噴出。荒々しさと高度なテクニックが共存したアンサンブルを展開していきます。とにかく溢れ出るパワーと疾走感がすごいです。

 2曲目「Chanbara」は、ダンサブルなリズムを母体に、絶叫するボーカル、唸りをあげるギター、強靭なリズム隊が絡み合い、複雑かつテンションの高い演奏を繰り広げます。確認できなかったのですが、タイトルの由来は、日本語のチャンバラでしょうか。

 3曲目「Hulahoop Wounds」は、ややテンポを抑え、テンションも控えめなイントロからスタート。しかし、後半は各楽器が競い合うようにフレーズを繰り出し、熱を帯びたアンサンブルへと発展。

 4曲目「Napoleon Solo」は、ギターとボーカルのみの不気味なほど抑えたイントロからスタート。しかし、そこから徐々にテンションを上げ、やがて感情が爆発。1曲の中でのコントラストが鮮明なアレンジ。

 5曲目「Pickpocket」は、イントロからパンキッシュに疾走する1曲。ただ、このバンドらしいと言うべきか、リズム構造は単純ではなく、各楽器とも地中から噴き出すマグマのように前のめり。ギターは複雑にねじれたフレーズを、曲芸的にくり出していきます。

 6曲目「For Now..We Toast」は、イントロから縦の揃った演奏が耳に残る1曲。ピッタリとタイトに合わせる部分と、ラフに躍動する部分があり、リズムのコントラストが鮮やか。

 7曲目「A Devil Among The Tailors」は、電子ノイズのようなサウンドがイントロに用いられ、その後も複雑怪奇なアンサンブルが繰り広げられる1曲。

 8曲目「Shaking Hand Incision」では、複雑かつ立体的なドラムに、他の楽器が絡み合うように重なり、巨大な塊となって転がるようなアンサンブルが展開。疾走感と一体感を併せ持った、耳に襲いかかってくるかのような1曲です。

 9曲目「Lopsided」は、ドラムの立体的でドタバタしたリズムに合わせ、他の楽器もタテを意識しリズムを刻んでいく1曲。タイトな部分と、リラクシングな部分があり、緩急をつけて盛り上げていきます。

 10曲目「Hourglass」は、ピアノと電子音が用いられた、ミドルテンポのメロウな1曲。ボーカルも絶叫は控え、丁寧に歌い上げます。

 11曲目「Transatlantic Foe」は、ギターのアルペジオとドラムによる静かなイントロから始まり、緩急のあるアンサンブルが展開する1曲。再生時間0:58あたりからの急加速など、テンポと音量の両面でメリハリがあり、多様な顔を見せるアレンジです。

 キレ味の鋭い、尖ったサウンドと演奏が前面に出たアルバム。ギターを例にとっても、歪んでいるのは確かなのですが、ハードロック的な重厚なサウンドとは違う、鋭利で耳に刺さるようなサウンドです。

 アンサンブルには、前述のとおりプログレ的な複雑さがあり、演奏とボーカルにはパンクに通ずる初期衝動の爆発があり、とにかくテンションの高い1作。

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Sunny Day Real Estate “How It Feels To Be Something On” / サニー・デイ・リアル・エステイト『ハウ・イット・フィールズ・トゥ・ビー・サムシング・オン』


Sunny Day Real Estate “How It Feels To Be Something On”

サニー・デイ・リアル・エステイト 『ハウ・イット・フィールズ・トゥ・ビー・サムシング・オン』
発売: 1998年9月8日
レーベル: Sub Pop (サブ・ポップ)
プロデュース: Greg Williamson (グレッグ・ウィリアムソン)

 1992年にワシントン州シアトルで結成されたエモ・バンド、サニー・デイ・リアル・エステイトの3rdアルバム。

 前作がリリースされる1995年11月の数ヶ月前に、バンドは解散。その後1997年に再結成し、翌1998年にリリースされたのが、本作『How It Feels To Be Something On』です。

 レーベルは以前と変わらず、地元シアトル、そしてUSインディーを代表するレーベルであるサブ・ポップから。プロデューサーは前作までのブラッド・ウッド(Brad Wood)に替わり、グレッグ・ウィリアムソンが務めています。

 エモ・バンドの代表格として語られる、サニー・デイ・リアル・エステイト。彼らの音楽の特徴は、直線的なリズムにシングアロングしやすいメロディーを乗せるステレオタイプのエモではなく、アンサンブルにこだわり、バンド全体の音の出し入れで、感情の起伏を表現するところ。

 一旦解散したのち、再結集して制作された本作。前作までの良さを引き継ぎつつ、アンサンブルの精度と多彩さの増した1作です。また、サウンド・プロダクションの面でも、各楽器のサウンドがくっきりと、輪郭のはっきりした音像になっています。

 必ずしも、テクニックや音質の向上(そもそも何をもって「向上」と判断するかも難しいところ)が、音楽の魅力の向上とはなりませんが、一般的には前作までの路線を引き継ぎつつ、完成度の高まった1作と言って良いかと思います。

 1曲目「Pillars」は、ゆったりとしたテンポのなか、各楽器がシンプルなフレーズを持ち寄り、ゆるやかに躍動していく前半から、徐々に音量と音数が増していく1曲。わかりやすく静寂から轟音へという、予定調和の展開ではなく、一歩ずつ階段を上がるように盛り上がっていきます。バンドのアンサンブルに対応して、ボーカルの歌唱も情感たっぷり。

 2曲目「Roses In Water」は、各楽器が絡み合うように躍動するアンサンブルに、さらにボーカルも絡みつくように加わり、一体感のある演奏が繰り広げられる1曲。特に躍動的というわけではありませんが、全ての楽器が有機的に組み合わさり、ひとつの機械あるいは一体の動物のように、いきいきと動きます。

 3曲目「Every Shining Time You Arrive」は、イントロからアコースティック・ギターがフィーチャーされた、メロウな1曲。途中からエレキ・ギターも加わりますが、激しさを加えるのではなく、アンサンブルに立体感をプラスしています。

 5曲目「100 Million」は、イントロの乾いたギターのサウンドに導かれ、タイトで軽快に躍動するアンサンブルが展開する1曲。手数を絞りながらも立体的なドラム、メロディアスに動き回るベースなど、各楽器ともムダなく効果的に、楽曲に躍動感を与えていきます。

 6曲目「How It Feels To Be Something On」は、加速と減速を繰り返すように、リズムが伸縮するアンサンブルに乗せて、ボーカルが感情たっぷりにメロディーを紡いでいく、壮大な1曲。

 7曲目「The Prophet」は、「預言者」というタイトルからも示唆的ですが、イントロから2本のアコースティック・ギターと、呪術的なボーカルが重なり、サイケデリックな空気を醸し出します。その後、ベースとドラムが入り、躍動感と立体感がプラス。

 10曲目「Days Were Golden」は、乾いた音質のタイトなドラムと、水が滲んでいくような、みずみずしいギターの音色が、感情を抑えたようなボーカルを引き立て、淡々と進行する1曲。ボーカルの歌唱も、バンドのアンサンブルも、わずかに熱を帯びていきますが、最後まで轟音やシャウトになだれ込みことはなく、静かに感情を吐露するような曲です。

 これまでの2作でも、直線的に疾走するステレオタイプなエモとは、一線を画する音楽を展開してきたサニー・デイ・リアル・エステイト。3作目となる本作では、さらにその路線を突き詰め、アコースティック・ギターを前面に出すなど、今まで以上にテンポを落としたメロウな曲が増え、感情表現の多彩さが増しています。

 一旦解散したのちに、再結成。年齢も重ねてきた彼らが、この時点で表現したいエモさが、本作に閉じ込められた音楽なのでしょう。感情を爆発させるだけではなく、時には苛立ちを隠し、時には絶望を優しく受け入れ、時には穏やかな心を描き出している本作は、今までよりも感情表現の幅を広げた作品、と言って良いと思います。

 





Archers Of Loaf “White Trash Heroes” / アーチャーズ・オブ・ローフ『ホワイト・トラッシュ・ヒーローズ』


Archers Of Loaf “White Trash Heroes”

アーチャーズ・オブ・ローフ 『ホワイト・トラッシュ・ヒーローズ』
発売: 1998年9月22日
レーベル: Alias (エイリアス), Merge (マージ)
プロデュース: Brian Paulson (ブライアン・ポールソン)

 ノースカロライナ州チャペルヒルで結成されたインディーロック・バンド、アーチャーズ・オブ・ローフの4thアルバム。プロデューサーは、前作から引き続きブライアン・ポールソン。

 1998年にエイリアスからリリースされ、その後2012年にボーナス・ディスクを加えた2枚組のデラックス・エディションとして再発。ちなみに本作に限らず、1stアルバムから3rdアルバムまでも、2011年から2012年にかけて、いずれも彼らの地元チャペルヒル拠点のレーベル、マージより2枚組のデラックス版が発売になっています。

 ここまで一貫して、実にインディーロックらしい音楽を作り続けてきたアーチャーズ・オブ・ローフ。このようにサラッと書いてしまうと、「インディーロックらしいってなに?」という話になりますが、過度に作り込まない生々しいサウンドでレコーディングされ、テクニックや楽理的知識をひけらかすことなく、実験性と攻撃性を持った、地に足の着いた音楽だということです。

 本作でも、前作までの音楽性を引き継ぎ、躍動感に溢れたコンパクトなロックが鳴らされています。また、複数のギターが、時に対立するように全く別のサウンドで、全く別のフレーズを弾くところも彼らの特徴のひとつ。もちろん、そのようなアレンジによって、アンサンブルがバラバラになることはなく、楽曲に立体感と多彩さをプラスしています。

 1曲目「Fashion Bleeds」では、イントロ部分から軽快なドラムのリズムに乗っかるように、2本のギターが片方はザクザクとコードを弾き、もう一方は音を揺らしながらジャーンと長めにコードを弾いていきます。前者は楽曲に疾走感を与え、後者はアヴァンギャルドな空気をプラス。テクニック的に難しいことをやっているわけではないのに、非常にパワフルで奥行きのあるサウンドに仕上がっています。再生時間2:07あたりからの高音域を駆使したギターソロも、アクセントになり、楽曲をますますカラフルに。

 2曲目「Dead Red Eyes」は、イントロからオルガンらしき音色が、シンプルなフレーズを弾き、中世の宗教音楽のような雰囲気の1曲。前半はキーボートとボーカルのみで進行し、再生時間2:08あたりからギター、ベース、ドラムが加わると、各楽器が有機的に絡み合う、立体的でゆるやかなスウィング感を伴ったアンサンブルが展開。

 3曲目「I.N.S.」は、つっかえながら刻まれる独特のリズムと、ギターの奇妙な音色、おどけたようなボーカルから、サイケデリックな空気が漂う1曲。

 5曲目「Slick Tricks And Bright Lights」は、スローテンポの中を、ギターをはじめとした各楽器の音が、ポツリポツリと埋めていく1曲。隙間が多く、休符さえ利用したようなアンサンブルで、ボーカルも楽曲の穏やかな空気に合わせて、優しくささやくように歌います。再生時間1:49あたりから一時的に躍動感あふれる部分がありますが、その後は再び音数を絞り、音響を前景化するようなアプローチが続きます。

 6曲目「One Slight Wrong Move」は、イントロからコミカルで奇妙な音が鳴り響き、アヴァンギャルドでカラフルなアンサンブルが展開していく1曲。コメディーじみたボーカルの歌唱や、再生時間1:33あたりからのキーボードなのか、あるいはエフェクターをかけたギターなのか、光線銃のようなサウンドなど、多様な音が飛び交い、楽曲を賑やかに盛り上げます。

 7曲目「Banging On A Dead Drum」は、濁りのあるギターの音色とハーモニー、オモチャのようなドラムの音、ジャンクなボーカルなどが、四方八方から飛び出す、実験的であり、同時にカラフルで楽しい雰囲気の1曲。このような曲には「オモチャ箱をひっくり返したような」という言葉を使いたくなります。

 10曲目「White Trash Heroes」は、電子的なサウンドによるビートを中心にして、徐々に音がレイヤー状に重なっていくような進行の1曲。荘厳な空気と、ジャンクなインディーロックの空気を、併せ持ったサウンド・プロダクション。

 本作を最後にバンドは解散。その後、2011年に再結成していますが、本作が解散前のラスト・アルバムとなりました。

 前述したとおり、これまでの音楽性を引き継いだインディーロックらしい音楽が展開しますが、随所で新たな試みも発見できるアルバムです。

 例えば、2曲目「Dead Red Eyes」や10曲目「White Trash Heroes」での、ギター以外のサウンドを中心に据えたアレンジ。5曲目「Slick Tricks And Bright Lights」での、ギターをフィーチャーしつつ、ゴリゴリに躍動するのではなく、音数を絞った音響的なアプローチなどです。

 いずれも、やみくもに新しい楽器や方法論を導入しました、という感じではなく、あくまで自分たちの手が届き、コントロールできる範囲で、いい意味でチープさを残したアレンジとなっています。これまでの彼らの良さを残しつつ、音楽性をさらに広げた1作と言っていいでしょう。

 





Botch “American Nervoso” / ボッチ『アメリカン・ナーヴォソ』


Botch “American Nervoso”

ボッチ 『アメリカン・ナーヴォソ』
発売: 1998年5月20日
レーベル: Hydra Head (ハイドラ・ヘッド)
プロデュース: Matt Bayles (マット・ベイルズ)

 1993年にワシントン州タコマで結成されたメタルコア・バンド、ボッチの1stアルバム。

 結成当初から数年間は、メタルコアというよりも、ガレージ・ロックに近い音楽性だったボッチ。しかし、エクストリーム・メタルを得意とするレーベル、ハイドラ・ヘッドと契約し、1998年に本作『American Nervoso』をリリースする頃には、テクニカルで複雑なアンサンブルを構成する、メタルコアあるいはマスコアと呼ばれるジャンルへと、音楽性を固めています。

 日本語の語感で「ボッチ」というと、少し寂しげな感じがしますけど、凄まじいテンションでアグレッシヴな音をぶちまけるバンドです。

 ボストン出身のマスコア・バンド、コンヴァージ(Converge)と並んで、メタル側ではなく、ハードコア・パンク側から、メタルコアやマスコアと呼ばれることになるジャンルへ、接近していったバンドの代表格と言えるでしょう。

 1曲目の「Hutton’s Great Heat Engine」から、地中からマグマが噴き出すように、音が押し寄せてきます。ドラムのつっかえるようなリズムと、ギターのうねるようなフレーズが、焦燥感を演出。ボーカルの切迫したシャウトと相まって、ヒリヒリとした空気と緊張感を生んでいきます。

 2曲目は「John Woo」という、印象的なタイトルを持つ曲。1曲目と同じく、イントロから凄まじいテンションの音が噴出してきます。再生時間0:51あたりからの波を打つようなギターのフレーズから、シフトが切り替わり、緩急のあるアンサンブルが展開。

 3曲目「Dali’s Praying Mantis」は、イントロのギターのフレーズに続いて、各楽器が絡み合うように、アンサンブルを組み上げていく1曲。

 4曲目「Dead For A Minute」は、スロー・テンポに乗せて、長めの音符が不穏な空気を充満させていくイントロから、激しくアグレッシヴな音が溢れ出し、静と動を鮮烈に行き来します。

 5曲目「Oma」は、高速のビートに乗って、バンド全体が前のめりになりながら疾走していく1曲。

 6曲目「Thank God For Worker Bees」は、イントロからのギターとドラムは、音がつぶれたようなジャンクな音質でレコーディングされており、ボーカルもヴェールをかぶったように奥まった音質。このような音質のために、曲前半はアングラ臭が漂いますが、再生時間0:58あたりから、リミッターが外れたように鮮明でパワフルなサウンド・プロダクションへ。その後は、捻れつつも疾走する、このバンドらしいアンサンブルが展開します。

 9曲目「Hives」は、リズムにほどよく隙間があり、疾走感よりも躍動感を重視した、立体的なアンサンブルが展開される1曲。ギターの厚みのあるサウンドと、次々と姿を変える変幻自在なリフが、曲をカラフルに彩ります。

 硬質なサウンド・プロダクションと、高度なテクニックを駆使する演奏からは、メタルの要素も色濃く感じられるものの、同時にスピード感あふれるハードコア・パンクや、変拍子を織り交ぜる複雑怪奇なマスロックなど、USインディーらしい要素も感じさせる1作です。