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Bastro “Diablo Guapo” / バストロ『ディアブロ・グアポ』


Bastro “Diablo Guapo”

バストロ 『ディアブロ・グアポ』
発売: 1989年
レーベル: Homestead (ホームステッド), Drag City (ドラッグ・シティ)

 ケンタッキー州ルイヴィル出身のポスト・ハードコア・バンド、スクワール・バイト(Squirrel Bait)解散後に、メンバーだったギターのデイヴィッド・グラブス(David Grubbs)と、ベースのクラーク・ジョンソン(Clark Johnson)によって、1988年に結成されたバストロ。

 同年には、2人のメンバーにドラム・マシーンを用いた編成で、スティーヴ・アルビニがレコーディング・エンジニアを務め、6曲入りのミニ・アルバム『Rode Hard And Put Up Wet』を、ホームステッドからリリース。ドラマーにジョン・マッケンタイア(John McEntire)を迎え、翌1989年にリリースされた1stアルバムが、本作『Diablo Guapo』です。

 前年にリリースされたミニ・アルバムと同じく、ニューヨークのインディー・レーベル、ホームステッドからのリリース。2005年には、本作『Diablo Guapo』と、次作『Sing The Troubled Beast』の2枚を1枚に併せたかたちで、シカゴの名門インディー・レーベル、ドラッグ・シティから再発版がリリースされています。

 現在では「ガスター・デル・ソル(Gastr Del Sol)のデイヴィッド・グラブスと、トータス(Tortoise)のジョン・マッケンタイアが在籍したバンド」として、なかば伝説的なバンドとして扱われることもあるバストロ。その後の2人の活動、および現在の彼らの音楽性のパブリック・イメージは、ポストロック色が強いと言って、差し支えないかと思います。しかし、本作で展開されるのは、エモーションが音に姿を変えて噴出するかのような、ハードコア色の濃い音楽。

 演奏の節々には、ポストロックを彷彿とさせる実験的なアプローチもありますが、基本はハードな音像と疾走感が前面に出ており、ジャンルとしてはポストロックよりも、ポスト・ハードコアと言った方が適切でしょう。

 バストロから、その後のガスター・デル・ソルやトータスへと続く過程で明らかになるのは、パンクやハードコアの精神が、ポスト・ハードコアやポストロックへと地続きになっているということ。ここで言う「パンクの精神」とは、既成概念にとらわれずに音楽を作ろうとする態度、ぐらいの意味だとお考えください。

 よりアコースティックなサウンドを持ったガスター・デル・ソルや、ポスト・プロダクションも駆使し、緻密にアンサンブルを組み上げるトータスの音楽性と比較すると、一見バストロの音楽は両者からは断絶しているように思えるかもしれません。しかし、根底に流れる音楽に対する自由な態度は、共通していると言ってよいでしょう。

 では、そんなバストロの1stアルバムでは、実際にどんな音楽が鳴っているのか。疾走感のあるビートと、激しく歪んだギターを主軸にしたジャンク感のあるサウンドは、ハードコア的と言えます。しかし、楽器のフレーズやアレンジには、複雑でアヴァンギャルドな面も多分に含まれており、ポストロックの息吹も感じられます。

 1曲目の「Tallow Waters」は、イントロから激しく歪んだギターと、硬質なリズム隊が、絡み合いながら走り抜ける、疾走感と一体感のある1曲。ディストーション・ギターを中心に据えた、エモーションが溢れ出したかのようなサウンドと、疾走感あふれる演奏はハードコアそのもの。しかし、直線的に縦をぴったり合わせて走るのではなく、絡み合うように複雑なアンサンブルを構成するところからは、ポストロックの香りも漂います。ちなみにCDのジャケットに記載されている曲目には、数字ではなく、aから順番にアルファベットがふられています。

 2曲目「Filthy Five Filthy Ten」は、金属的なガチャガチャした歪みのギターを中心に、立体的なアンサンブルが展開される1曲。1曲目より疾走感は抑えめで、その代わりに各楽器が絡み合う、有機的なアンサンブルが前景化されています。

 3曲目「Guapo」は、硬く引き締まった音色のベースに、タイトなドラムと、ジャンクなギターが絡みつき、疾走していく1曲。

 6曲目「Can Of Whoopass」は、うなりを上げるようなギターの音と、タイトなリズム隊が重なり、ジャンクで厚みのあるサウンドを作り上げる1曲。ギターの音をはじめ、全体のサウンド・プロダクションからはアングラ臭が漂いますが、演奏のコアの部分はリズムがきっちりと合い、このバンドのテクニックの高さをうかがわせます。

 8曲目「Engaging The Reverend」は、下品の歪んだギターが紡ぎ出す回転するようなフレーズと、タイトなリズム隊、ブチ切れ気味のボーカルが、凄まじいテンションで疾走していく1曲。

 9曲目「Wurlitzer」は、ピアノとパーカッションを中心に構成された、このアルバムの中にあって特異なサウンドを持った1曲。フリーな雰囲気で演奏が繰り広げられ、ハードコア要素はほぼ無く、その後のガスター・デル・ソルやトータスへの変遷を感じさせる曲と言っても良さそうです。

 前述のとおり、ハードコア的な激しいサウンドと疾走感を持ちながら、同時にその後のポストロックやマスロックへ繋がる複雑さも持ち合わせた1作です。デイヴィッド・グラブスとジョン・マッケンタイアが在籍した云々という歴史的価値を差し引いても、ポスト・ハードコアの名盤に数えられるべき、優れた作品であると思います。

 2018年7月現在、デジタル配信はされていないようです。残念…。興味がある方は、前述したとおり本作と次作『Sing The Troubled Beast』を、1枚に収めたものがリリースされておりますので、探してみてください。日本盤もあります。





Ryley Walker “Primrose Green” / ライリー・ウォーカー『プリムローズ・グリーン』


Ryley Walker “Primrose Green”

ライリー・ウォーカー 『プリムローズ・グリーン』
発売: 2015年3月31日
レーベル: Dead Oceans (デッド・オーシャンズ)

 イリノイ州ロックフォード出身のシンガーソングライターでありギタリスト、ライリー・ウォーカーの2ndアルバム。

 前作『All Kinds Of You』は、フィンガースタイル・ギターなどを扱うレーベル、トンプキンス・スクエア(Tompkins Square)からのリリースでしたが、本作はインディアナ州ブルーミントンを拠点とするレーベル、デッド・オーシャンズからのリリース。

 前述したとおり、トンプキンス・スクエアからリリースされた前作は、ライリー・ウォーカーのフィンガースタイル・ギターが前面に出た、同レーベルの色にもぴったりのアルバムでした。よりインディー・ロック色の濃いデッド・オーシャンズへと、レーベルを移籍してリリースされた本作。ライリー自身のギターが中心にあるのは前作と共通していますが、多くのミュージシャンを迎え、多彩なアンサンブルが展開される1作となっています。

 1曲目の「Primrose Green」では、流れるようなアコースティック・ギターのイントロに導かれ、そこに絡みついていくようにピアノやドラムが加わり、ゆるやかに躍動する演奏が展開。再生時間2:43あたりからの間奏では、ギターとピアノが高度なコミュニケーションを楽しむように、ダイナミックで、いきいきとしたアンサンブルを繰り広げます。

 2曲目「Summer Dress」は、ジャズを思わせるポリリズミックなドラムを中心に、スウィング感の溢れる演奏が展開する1曲。リズム隊とヴィブラフォンはリズムも音色もジャズ的ですが、ギターとボーカルはカントリー的。牧歌的なのに、同時にスリリングな躍動感と緊張感を、持ち合わせています。

 5曲目「Love Can Be Cruel」は、イントロから各楽器のリズムが立体的に絡み合い、グルーヴ感を生んでいく、有機的で肉体的なアンサンブルの1曲。エレクトリック・マイルスの香りも漂います。

 6曲目「On The Banks Of The Old Kishwaukee」は、ゆったりと散歩をするようなリズムとテンポが心地いい、牧歌的なカントリー・ソング。

 7曲目「Sweet Satisfaction」は、アコースティック・ギターをはじめとしたフォーキーな音色に、エレキ・ギターのオルタナティヴなサウンドが溶け合う1曲。イントロから、カントリー色の濃いサウンドで、ゆるやかに躍動するアンサンブルが展開。しかし、再生時間1:43あたりから入ってくる、ざらついた歪みのギターなど、徐々にオルタナティヴなサウンドやアレンジが加わっていきます。再生時間4:20あたりからの、疾走感に溢れた展開も秀逸。エモーショナルなボーカルも、カントリーとオルタナティヴ・ロックの要素を併せ持ち、楽曲を多彩にしています。

 ライリー・ウォーカーのギターを中心とした、有機的で躍動感の溢れるアンサンブルが堪能できるアルバムです。カントリーやフォークが下敷きにあるのは事実ですが、エレキ・ギターの過激な音色や、ピアノのフリーな演奏などが随所に散りばめられ、現代的な空気も持ち合わせています。

 また、楽曲によっては、ジャズの要素も色濃く出ています。クレジットを確認すると、チェロのフレッド・ロンバーグ・ホルム(Fredrick Lonberg-Holm)、ベースのアントン・ハトウィッチ(Anton Hatwich)、ドラムのフランク・ロザリー(Frank Rosaly)ら、シカゴを拠点にするジャズ・ミュージシャンが複数参加。彼らのプレイが、このアルバムにジャズ色と、さらなる奥行きを加えているのでしょう。

 前作と比較すると、バンド感とインディー・ロック感の強まった1作、と言っていいでしょう。前述したとおり、トンプキンス・スクエアからデッド・オーシャンズへとレーベルを移籍していますが、それぞれのレーベルのイメージが、それぞれのアルバムにそのまま反映されていると言っても、良いかと思います。

 





Sunn O))) “Monoliths & Dimensions” / サン『モノリス・アンド・ディメンションズ』


Sunn O))) “Monoliths & Dimensions”

(Monoliths And Dimensions)
サン 『モノリス・アンド・ディメンションズ』
発売: 2009年5月18日
レーベル: Southern Lord (サザンロード)
プロデュース: Mell Dettmer (メル・デットマー), Randall Dunn (ランドール・ダン)

 ワシントン州シアトル出身のドローン・メタル・バンド、サンの6thアルバム。メンバーは、ステファン・オマリー(Stephen O’Malley)と、グレッグ・アンダーソン(Greg Anderson)のギタリスト2名。

 サン名義でのスタジオ・アルバムとしては、2005年の前作『Black One』から4年ぶりのリリースとなりますが、その間も日本のバンド、ボリス(Boris)との共作『Altar』、ワシントン州オリンピア出身のドローン・メタル・バンド、アース(Earth)との共作『Angel Coma』、ミニ・アルバム『Oracle』、ライブ・アルバム『Dømkirke』のリリースなど、精力的に活動しています。

 正式メンバーは前述のとおり2名のみですが、アルバムごとに多彩なゲスト・ミュージシャンを迎えるサン。本作にも、ノルウェー出身のブラックメタル・バンド、メイヘム(Mayhem)のアッティラ・シハー(Attila Csihar,アッティラ自身はハンガリー出身)、オーストラリア出身のエクスペリメンタル系ミュージシャン、オーレン・アンバーチ(Oren Ambarchi)、オレゴン州コーバリス出身のヴィオリスト、エイヴィン・カン(Eyvind Kang)、アースのディラン・カールソン(Dylan Carlson)など、共演経験があるミュージシャンも含め、実に多くのゲストが参加しています。

 1曲目の「Aghartha」は、イントロから倍音たっぷりのギターによる、重々しいドローンが鳴り響く、サンらしい音像を持った1曲。ビート感は無く、ただただ全てを覆いつくすように、ヘヴィ・ドローンが続きます。中盤からはアッティラによる、不気味なスポークン・ワードが加わり、楽曲に神秘的な雰囲気をプラス。

 2曲目「Big Church [megszentségteleníthetetlenségeskedéseitekért]」は、神秘的で壮大な女声コーラス隊で幕を開けます。サンにとっては新境地と呼ぶべき、意外性のあるスタートから、すぐにギターの重苦しいドローンが加わり、なんだか安心します(笑) その後は、サン得意のヘヴィ・ドローンと、荘厳で宗教音楽のようにも響くコーラス隊が重なり、白と黒が調和しつつも、溶け合わず分離したまま並走するように進行。

 3曲目「Hunting&Gathering (Cydonia)」は、ノイズを受信したラジオのような音から始まり、ギターのヘヴィ・ドローンを中心にしつつも、多様な飛び交う立体的なアンサンブルが展開される1曲。トランペットも入り、カラフルな印象すら受けます。

 4曲目「Alice」は、2007年に亡くなった、ジャズ・ピアニストであり、ジョン・コルトレーンの妻としても有名なアリス・コルトレーン(Alice Coltrane)に捧げられた1曲。ヴィオラとアンサンブルのアレンジを、エイヴィン・カンが担当しています。ホルンやオーボエ、ヴィオラなど多くの楽器が用いられ、これまでのサンのイメージからは、かけ離れた音像の曲と言っていいでしょう。轟音ギターも用いられていますが、前面に立つわけではなく、シンフォニックなアンサンブルを支えるようにドローンを奏でています。

 彼らの代名詞とも言える、轟音ギターによるヘヴィ・ドローンは健在ですが、ホーンやストリングス、女声コーラスを大胆に導入し、サウンドが格段に多彩になった1作です。

 前作『Black One』は、色に例えると、タイトルのとおり黒。重いギターのサウンドを用いて、同じ黒でありながら、グレーから漆黒まで、濃淡を繊細に描き出していました。

 それに対して、本作は色に例えると白と黒。透明感のあるホルンやハープの音色、神秘的で荘厳なコーラスワークが、ロックの音響面でのハードな魅力を、極限まで煮詰めたようなヘヴィなギター・サウンドと溶け合い、新境地と言える音世界を作り上げています。多様な音楽が今までにない形で融合しているという点では、ポストロック的とも言えるし、現代音楽的とも言えるかもしれません。

 メロディーやハーモニーの要素が、これまでの作品よりも格段に増しているため、あまりこの種の音楽を聴いたことがない方にも、受け入れやすい音楽ではないかと思います。『Black One』と並んで、ドローン・メタルの入門盤としても、おすすめしたい1枚です。

 





Sunn O))) “Black One” / サン『ブラック・ワン』


Sunn O))) “Black One”

サン 『ブラック・ワン』
発売: 2005年10月17日
レーベル: Southern Lord (サザンロード)

 ワシントン州シアトル出身のステファン・オマリー(Stephen O’Malley)と、グレッグ・アンダーソン(Greg Anderson)による、ギタリスト2名からなるドローン・メタル・バンド、サンの5枚目のスタジオ・アルバム。

 前作、前々作と多彩なゲスト・ミュージシャンを迎えていたサン。本作にも、カリフォルニア州アルハンブラ出身のブラック・メタル・バンド、ザスター(Xasthur)のマレフィック(Scott “Malefic” Conner)。ブラック・メタルのソロ・プロジェクト、リヴァイアサン(レヴィアタン,Leviathan)で活動するWrest(本名Jef Whitehead)。オーストラリア出身のエクスペリメンタル系ミュージシャン、オーレン・アンバーチ(Oren Ambarchi)などが参加しています。

 前々作から『White1』『White2』と続いて、『White3』とはならずに『Black One』と題された本作。タイトルの違いだけではなく、サウンドと表現方法についても、明らかな差異が認識できます。

 過去2作が、共に長尺の曲が並び3曲収録だったのに対して、本作は7曲収録。楽曲の長さが必ずしも音楽性に関係するわけではありませんが、ストイックにヘヴィな音響を追求した過去2作と比較すると、本作は構造のつかみやすい楽曲が並び、はるかに一般的な意味での「音楽」らしくなっています。

 とはいえ、一般的なロックやポップスからは、遠く離れた音楽であるのも事実ですから、全くこの種の音楽への免疫が無い方はご注意を。重々しく沈み込むような轟音ギターや、音響面を徹底的に煮詰めたようなギターリフなど、音の響きに重きを置きつつ、ロックの魅力の一部が凝縮され、断片的に楽曲に溶け込んだアルバムです。

 1曲目「Sin Nanna」には、前述のオーレン・アンバーチが、ボーカル、ギター、ドラム、シンバルなどで参加。シンバルはクレジットには「bowed cymbals」と記載されており、シンバルを弓で弾くボウイング奏法をおこなっているようです。無作為にも聞こえるドラムが奥の方で鳴り響き、多様なサウンドの持続音が重なり合い、不穏な空気を演出します。

 2曲目「It Took The Night To Believe」は、複数のギターが折り重なり、分厚い音の壁を作り上げる1曲。中盤から入る不気味なボーカルは、前述のWrestによるもの。ドラムなどのリズム楽器は入っていないものの、ギターは非常にゆったりとしたテンポの中で、いわゆるリフらしいフレーズを弾いており、楽曲の構造をつかみやすいです。ビートが無く、テンポも非常に遅いため、サウンドの重々しさがますます際立ち、ハードロックやヘヴィメタルが持つ重いサウンドが、極限まで凝縮され、抽出されたかのように響きます。

 3曲目の「Cursed Realms (Of The Winterdemons)」は、ノルウェー出身のブラック・メタル・バンド、イモータル(Immortal)のカバー。ですが、原曲がわからないほどに、テンポが遅く、沈み込むような重いサウンドになっています。色に例えると間違いなく黒なのですが、グレーから漆黒まで濃淡があり、ただ適当にノイズを出しているのではなく、理想とする音楽をストイックに追求しているのが分かります。

 6曲目「Cry For The Weeper」の前半は、轟音ギターではなく、電子音らしきサウンド(もしかしたらエフェクターをかけたギターかもしれません)が鳴り響く、アンビエントな音像。その後はギターも入り、高音域をプラス。このアルバムの中ではリフ感が薄く、音響が前景化された1曲と言えます。

 過去2作が、分厚いギター・サウンドが全てを覆いつくす曲であったり、ノイズ的なサウンドがミニマルに鳴り響く曲などが収められていたのに対して、本作ではギターのリフがはっきりとしていたり、ドローンの中にも音の動きがあったりと、楽曲の構造がつかみやすい曲が収録され、サンのアルバムの中でも特に聴きやすい1作ではないかと思います。

 サンの最高傑作に挙げられることもある本作。このバンドや、ドローン・メタルへの入門盤としても、おすすめできる1枚です。

 





Pinback “Autumn Of The Seraphs” / ピンバック『オータム・オブ・ザ・セラフス』


Pinback “Autumn Of The Seraphs”

ピンバック 『オータム・オブ・ザ・セラフス』
発売: 2007年9月11日
レーベル: Touch And Go (タッチ・アンド・ゴー)

 カリフォルニア州サンディエゴ出身。ザック・スミス(Zach Smith)ことアーミステッド・バーウェル・スミス4世(Armistead Burwell Smith IV)と、ロブ・クロウ(Rob Crow)からなるバンド、ピンバックの4thアルバム。前作『Summer In Abaddon』に引き続き、シカゴの名門インディー・レーベル、タッチ・アンド・ゴーからのリリース。

 ザック・スミスはスリー・マイル・パイロット(Three Mile Pilot)、ロブ・クロウはヘビー・ベジタブル(Heavy Vegetable)やシンギー(Thingy)と、それぞれサンディエゴのシーンにおける重要バンドの中心的メンバーでもある2人。基本楽器はザックがベース、ロブがギターですが、共にソングライターとボーカルもこなし、複数の楽器を操るマルチ・インストゥルメンタリストでもあります。

 そんな才能豊かな2人が結成したピンバック。ポストロック的とも言えるモダンで意外性のあるアレンジと、流れるようなメロディー・センスが高次元で両立した音楽が、本作では奏でられます。

 1曲目の「From Nothing To Nowhere」は、タイトで疾走感のあるバンドのアンサンブルにぴったりと寄り添うように、ボーカルのメロディーが並走する1曲。各楽器の音作りは、原音をいかしたナチュラルなもの。激しいディストーションなどには頼らず、各楽器が絡み合うような有機的なアンサンブルによって、疾走感を演出しています。

 2曲目「Barnes」は、全ての楽器が一体となって同じ方向を目指す1曲目とはうって変わって、ボーカルも含め各楽器が複雑に絡み合い、立体的なアンサンブルを作り上げる1曲。バンド全体でゆったりと躍動するところと、やや走るところを切り替え、ゆるやかにグルーヴする演奏が繰り広げられます。

 3曲目「Good To Sea」は、高音域を使ったはずむようなギターのイントロに導かれ、タイトで軽快なアンサンブルが展開する 1曲。ボーカルの浮遊感のあるメロディー、優しい波のように揺れるリズム隊、前述したとおり楽しげにはずむギターが、有機的に組み合わさりながら、いきいきと躍動します。

 7曲目「Devil You Know」は、イントロのミュート奏法のギターの音も象徴的で、全体にタイトで、無駄を削ぎ落としたアンサンブルとサウンドを持った1曲。わずかに前のめりにリズムが進むバンドのアンサンブルに、覆いかぶさるようにボーカルがメロディーを紡いでいきます。再生時間1:16あたりからのギターのサウンドとフレーズと、そこに絡みつくようなピアノが醸し出すアヴァンギャルドな空気も、このバンドの魅力。

 10曲目「Bouquet」は、空間系エフェクターのかかったギターを中心に、隙間が多いながらも、ゆるやかな躍動感を持ったアンサンブルが展開される1曲。隙間を埋め、全体を多い尽くすように、コーラスワークは厚みがあり、凝っています。

 前作『Summer In Abaddon』から比較すると、アルバム全体を通して、やや実験性の増した1作と言えるでしょうか。前作の方がギターポップ色が濃く、今作の方がシリアスで、ややプログレ風味があります。

 ソフトで耳なじみの良いサウンド・プロダクションでありながら、随所に実験性を忍ばせ、時折アヴァンギャルドな風を吹かせるアレンジと、流れるように爽やかなメロディーとコーラスワークは、ザ・シー・アンド・ケイク(The Sea And Cake)に近いとも思います。

 ポップさの中に実験性が隠し味のごとく含まれた、ポップであり、同時に奥行きのある音楽が展開される1作です。