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The Brother Kite “thebrotherkite” / ザ・ブラザー・カイト『ザブラザーカイト』


The Brother Kite “thebrotherkite”

ザ・ブラザー・カイト 『ザブラザーカイト』
発売: 2004年6月1日
レーベル: Clairecords (クレアコーズ)

 2002年にロードアイランド州プロビデンスで結成された5人組シューゲイザー・バンド、ザ・ブラザー・カイトの1stアルバム。

 フロリダ州セントオーガスティンにオフィスを構えるシューゲイザー専門レーベル、クレアコーズからのリリースです。

 ステージ上で足元のエフェクターを見つめ、酩酊的に音作りに没頭するところから、いつしかジャンル名となった「シューゲイザー」。このジャンルの特徴をひとつ挙げるなら、メロディーや歌詞、アンサンブルのグルーヴ感よりも、音響を重視しているところ。

 メロディーやリズムなど、音楽を形作るパーツが、不可分に溶け合った音楽とも言い換えることができます。本作もまさに、メロディーもリズムも、分厚いギターサウンドに飲み込まれ、一体となってリスナーに迫ってきます。そういう意味では、極めてシューゲイザー的な作品と言えるでしょう。

 1曲目「Goodnight, Goodnight, Goodnight」では、ストリングスによる多層的で幻想的なイントロに導かれ、一定のリズムで押し寄せる波のように、バンドのアンサンブルが構成されています。

 2曲目「The Music Box」は、ビートのはっきりしたコンパクトなロック・チューンですが、歌のメロディーよりも、激しく歪んだギターの方が前面に出てくるバランス。ドラムのビート、流れるようなボーカルのメロディー、そして全てを押し流すようなギターが溶け合い、塊感のあるサウンドとなっています。

 3曲目「Mere Appreciation」は、アコースティック・ギターと歌のみのシンプルで柔らかなサウンドを持った1曲。量感のある前2曲を終えて、箸休め的な役割の曲です。

 4曲目「Simply Say My Name」は、再びギターサウンドの波が押し寄せる1曲。折り重なるように空間を埋めつくすギターの中に、穏やかなボーカルが溶け込んでいきます。

 5曲目「Porcelain」は、吹き荒れる嵐の中で物が飛び交うように、エフェクトのかかった音が交錯する1曲。しかし、難しい音楽というわけではなく、メロディーにもアンサンブルにも疾走感があり、ノリの良いロックとしても機能します。

 6曲目「Death Ray」は、イントロのギターは歪みながらも、各弦の音がつぶれずに粒が立って聞こえます。その後、歌が入ってくるとギターは退き、リズム隊によるタイトなアンサンブルが展開。ギターは時折、通り雨のように降り注ぎ、楽曲に鮮やかなコントラストを与えています。

 7曲目「The Blackout」は、金属的に歪んだギターと、硬質でアタックの強いリズム隊によって、パワフルなアンサンブルが繰り広げられる1曲。シューゲイザーというより、オルタナティヴ・ロックと呼ぶべきサウンド・プロダクションとアンサンブル。とはいえ、圧倒的な量感の轟音ギターは、正しくシューゲイザー的。

 8曲目「The Way That You Came Down」は、ビート感の無いアンビエントなイントロから始まり、多様な展開を見せる1曲。再生時間1:29あたりからは浮遊感のあるギターが中心にアンサンブルを構成、3:32あたりからはエフェクターの深くかかったジャンクな音像へと変化するなど、7分を超える中で様々な表情を見せる、壮大な楽曲です。

 本作で繰り広げられる、リズム、メロディー、ハーモニーが一体となり、結果として音響が前景化する音楽は、シューゲイザーと呼んで差し支えないでしょう。

 しかし当然ながら、一口に「シューゲイザー」と言っても、轟音ギターの量感を一義とするバンド、エフェクターを駆使したサウンド・プロダクションに拘りを見せるバンドなど、それぞれのバンドによって志向する音楽性は異なります。

 それでは、このザ・ブラザー・カイトはどのような音楽を志向しているのか。ロック的なグルーヴを持ったアンサンブルと、音響的なアプローチのバランスが良いバンド、と言えるのではないかと思います。

 轟音ギターを用いながらも、圧倒的な量感で押し流すだけではなく、他の楽器とのコミュニケーションが感じられ、また楽曲によっては轟音ではなく、エレクトロニカのような音像を持った曲もあり、音楽的語彙の豊富さも感じさせます。

 1stアルバムにして、かなりの完成度を持った作品です。(1stが最高で2nd以降が全くダメというバンドもいるので、あまり1stだからというのは意味が無いかもしれませんけどね…。)

 





Woods “Songs Of Shame” / ウッズ『ソングス・オブ・シェイム』


Woods “Songs Of Shame”

ウッズ 『ソングス・オブ・シェイム』
発売: 2009年4月9日
レーベル: Woodsist (ウッドシスト)

 ギターをはじめ多くの楽器を操るジェレミー・アール(Jeremy Earl)と、ギターのクリスチャン・デロエック(Christian DeRoeck)により、ニューヨーク市ブルックリンで結成されたフォーク・ロック・バンド、ウッズの4thアルバム。

 前述のとおり2ピース・バンドとして、スタートしたウッズ。ウッズ・ファミリー・クリープス(Woods Family Creeps)名義でリリースされた、3rdアルバム『Woods Family Creeps』では、クリスチャン・デロエックが脱退、ギターとベースのジャービス・タベニエール(Jarvis Taveniere)と、キーボードのG・ルーカス・クレイン(G Lucas Crane)が加入し、3人編成へ。

 本作では、G・ルーカス・クレインが脱退。サポート・メンバーとして、ギターのピート・ノーラン(Pete Nolan)を加えた3人でレコーディングされています。

 ローファイな音質を持っていた2nd『At Rear House』と比較すると、音質は少しだけ向上。フリーク・フォークの文脈で語られることの多いウッズですが、本作でもアコースティックな楽器の響きを用いながら、サイケデリックな世界観を作り上げています。

 そのサイケデリアの要因は、コーラスワークとアンサンブルに聞かれる絶妙な隙。ファルセットを駆使した高音のコーラスワークと、生楽器を基本としたアンサンブルには、どちらにも不安定な部分があり、ローファイ気味のサウンド・プロダクションとも相まって、フォークの枠をはみ出した聴感を生んでいます。

 1曲目の「To Clean」から、ファルセットを用いたコーラスワークと、各楽器ともシンプルな音作りによるアンサンブルが展開。ぴったりとタイトに合わせるのではなく、音程にもリズムにも遊びがあり、ローファイかつサイケデリックな空気を演出しています。

 2曲目「The Hold」は、立体的でトライバルな雰囲気のドラムと、ゆるいギター・サウンド、高音ボーカルが絡み合い、ドラッギーな空気を醸し出す1曲。

 4曲目「September With Pete」。ワウのかかったギターと、このアルバムの中ではソリッドな音質のドラムが、60年代のサイケデリアを思わせる音像を作り上げていきます。しかし、アンサンブルには隙間も多く、いい意味でチープで敷居が低いところも、このバンドらしいバランス感覚。

 5曲目「Down This Road」は、シタールのような艶のあるギターと、金属的なジャラついた耳ざわりのギター、異なるサウンドが混じり合い、非ロック的な空気を持った1曲。土着感と非ロック感が相まって、架空の国の民族音楽のようにも聞こえます。

 6曲目の「Military Madness」は、クロスビー・スティルス・ナッシュ&ヤング(Crosby, Stills, Nash & Young)での活動でも知られる、イングランド出身のシンガー・ソングライター、グラハム・ナッシュ(Graham Nash)の曲のカバー。カバー曲だから、というわけでもないのでしょうが、このアルバムの中では、ビートもメロディーも輪郭がはっきりしており、最もカントリー色の濃い1曲です。

 8曲目「Echo Lake」は、エフェクターやポスト・プロダクションを駆使しているわけではなく、各楽器の音作りはシンプルですが、奇妙な音が飛び交う、アヴァンギャルドな音像を持った曲。ワウのかかったギターが、サウンド面では唯一わかりやすく奇妙ですが、アンサンブルによって、サウンド以上にサイケデリックな空気を生み出しています。

 10曲目「Gypsy Hand」は、ギターとボーカルが流れるように音を刻んでいく、ゆるやかな疾走感に溢れた1曲。高音も駆使したボーカル、単音弾きのギターともに、線の細さを感じる音質ですが、それがちょっとした違和感と親しみやすさとなって、魅力に転化しています。

 「ローファイ・サイケデリック・フォーク」とでも呼びたくなる音楽が、繰り広げられる本作。現代的な輪郭のくっきりしたサウンドと比較すれば、音も細く、音圧も低く、はっきり言って安っぽい音質なのですが、それ心地よくサイケデリックな空気を生み出し、なんとも言えない魅力となっています。

 個人的には、ただ音質を悪くすることを目的としたようなローファイは苦手なのですが、このアルバムのようにチープさが魅力となっているローファイは大好き。「音質が良いって何だろう?」と感じさせてくれる、ローファイのお手本のようなアルバムだと思います。

 





Woods “At Rear House” / ウッズ『アット・リア・ハウス』


Woods “At Rear House”

ウッズ 『アット・リア・ハウス』
発売: 2007年1月16日
レーベル: Woodsist (ウッドシスト)

 ニューヨーク市ブルックリンで2005年に結成されたフォーク・ロック・バンド、ウッズの2ndアルバム。メンバーのジェレミー・アール(Jeremy Earl)が設立したレーベル、ウッドシストからのリリース。

 2018年6月現在、5人編成で活動するウッズですが、元々はジェレミー・アールとクリスチャン・デロエック(Christian DeRoeck)の2ピースから始まったバンドであり、本作リリース時も2人体制です。

 アルバムのタイトルにある「Rear House」とは、後にウッズに正式加入するドラマー、ジャービス・タベニエール(Jarvis Taveniere)が設立した、ブルックリンにあるスタジオの名称。『At Rear House』というタイトルのとおり、本作はこのスタジオでレコーディングされています。

 アコースティック・ギターを中心にしたフォーキーなサウンドを基本にしながら、やや濁りのある音像と、ファルセットを多用したコーラスワークからは、サイケデリックな空気が漂う本作。また、チープでローファイ風のサウンドも、このアルバムの特徴です。

 「フリーク・フォーク」に、カテゴライズされることの多いウッズ。フリーク・フォークとは、サイケデリック・フォークのサブジャンル、あるいは同意語とされるジャンルですが、このアルバムもまさにフリークフォークと呼びたくなる1作です。

 前述したとおり、アコースティック・ギターを中心に据えた、フォークやカントリーに近いサウンドを持った本作ですが、やや奥まったローファイ色のある音質のボーカル、どこか濁りのあるギター、ドラッギーなコーラスワークなど、サイケデリックな要素が満載。

 しかし、わかりやすく不協和音やエフェクターを用いるのではなく、隠し味のように、ほのかにサイケデリックな香りを振りまくところが、このアルバムの魅力となっています。言い換えれば、フォークに近い音像を持ちながら、違和感を忍び込ませ、その違和感が楽曲の奥行きとフックになり、魅力を増しているということ。

 1曲目の「Don’t Pass On Me」から、ドラムとギターによるミニマルかつ立体的なアンサンブルに、裏声を用いたドラッギーなコーラスワークが重なり、サイケデリックな音像を作りあげます。

 2曲目「Hunover」は、流れるように音を紡ぎ出すアコースティック・ギターと、耳元で歌っているかのような音の近いボーカルが絡み合う1曲。ギターはみずみずしく、弾むような音色ですが、ボーカルは前述したとおり、不自然なほど音が近く、濁りの揺らぎのある音質。ローファイな空気を演出します。

 3曲目「Keep It On」は、なにかの儀式で使われるような、酩酊的でトライバルな空気の充満した1曲。高音を用いたコーラスワークが、ますますサイケデリック感を増加させます。

 5曲目「Woods Children, Pt. 2」は、トライバルなドラムと、サンプリングされた声が重なる、アヴァンギャルドな1曲。

 8曲目「Walk The Dogs」は、ローファイでざらついたサウンド・プロダクションと、独り言のようにブツブツと歌う低音域のボーカルからは、アングラ臭が充満。フォーク色は薄く、かなり実験性の強い1曲と言えます。

 9曲目「Love Song For Pigeons」は、不安定な音程のギターのフレーズと、やはり不安定に揺れるボーカルのロングトーン、トライバルなドラムが溶け合う、サイケデリックな1曲。

 10曲目「Bone Tapper」は、先2曲と比較すると、歌のメロディーが前面に出ており、コーラスワークもギターポップを思わせるほどに爽やか。穏やかでポップな耳ざわりの曲ですが、やや揺らぎのあるボーカルからは、ほのかにサイケデリックな空気が漂います。

 11曲目「Picking Up The Pieces」は、音数を絞ったミニマルなアンサンブルと、鼻歌の延長線上のような、やや不安定なボーカルが合わさり、奇妙な世界観を演出。音は少なく、各楽器のサウンドもシンプルですが、不穏でアヴァンギャルドな空気に溢れています。

 アコースティック・ギターを中心に、各楽器ともサウンドはチープかつシンプルですが、完成された音楽からは、アヴァンギャルドでサイケデリックな空気が漂うアルバム。サウンドではなく、音の組み合わせや揺らぎで、そうした実験的な世界観を作り上げています。

 





William Tyler “Deseret Canyon” / ウィリアム・タイラー『デザレット・キャニオン』


William Tyler “Deseret Canyon”

ウィリアム・タイラー 『デザレット・キャニオン』 (ディザレット・キャニオン)
発売: 2008年10月21日 (再発 2015年6月2日)
レーベル: Merge (マージ)

 元々は、ザ・ペーパー・ハッツ(The Paper Hats)名義で、2008年にドイツのアペアレント・エクステント(apparent-extent)というレーベルからリリース。

 その後2015年に、ウィリアム・タイラー名義で、ノースカロライナ州ダーラムのインディー・レーベル、マージから、12インチ・レコード2枚組で再発。現在では、各種サブスクリプション・サービスで、デジタル配信もされています。

 プロデュースはウィリアム・タイラー自身、レコーディング・エンジニアはマーク・ネヴァース(Mark Nevers)が担当。

 ラムチョップ(Lambchop)や、シルバー・ジューズ(Silver Jews)への参加でも知られる、ギタリストのウィリアム・タイラー。「ミュージック・シティ」のニックネームを持つ街、ナッシュヴィルに生まれ、父親も著名なソングライターだという音楽一家で育ちました。

 カントリー・ミュージック殿堂博物館や、ギブソンの本社もあり、特にカントリー・ミュージックの町として知られるナッシュヴィル。そんなナッシュヴィルの空気をたっぷり吸い込んで育ったためか、本作でもカントリーやフォークなど、ルーツ・ミュージックへの理解と愛情が溢れる音楽が紡がれていきます。

 4曲目「The Sleeping Prophet」と、7曲目「Crystal Palace, Sea Of Glass」には、タイラーと同じくラムチョップや、シルバー・ジューズへの参加でも知られる、ポール・ニーハウス(Paul Niehaus)が、ペダル・スティール・ギターで参加。しかし、それ以外は、ほぼタイラー自身によるギターのみ。(クレジットには、タイラーによる「Noises」という記載もあり)

 ブルーグラス的なテクニカルな速弾きが、随所で披露され、アコースティック・ギターを中心にした、穏やかでオーガニックなサウンド・プロダクションを持ちながら、疾走感と躍動感のある音楽が展開される1作です。

 ちなみにアルバム・タイトルの「Deseret」とは、モルモン教徒の言葉で「勤勉なミツバチ」という意味で、1849年にソルトレイクシティに入植していたモルモン教徒が提案した暫定的な州(State of Deseret)の名前であり、モルモン教徒によって19世紀後半に使用された、英語を表記するための文字の名称(Deseret alphabet)でもあります。

 定着することなく、歴史の中に刻まれることとなった過去の文化。そんな過去に想いを馳せ、現代に呼び覚ますという意味で、「デザレットの谷」というタイトルをつけたのかもしれません。

 タイラーが本作で試みたのも、アメリカのルーツ・ミュージックを基本にしながら、それを現代的に再解釈すること。歴史と現代が、溶け合った作品であると言えます。

 





The Skygreen Leopards “Gorgeous Johnny” / ザ・スカイグリーン・レパーズ『ゴージャス・ジョニー』


The Skygreen Leopards “Gorgeous Johnny”

ザ・スカイグリーン・レパーズ 『ゴージャス・ジョニー』
発売: 2009年7月21日
レーベル: Jagjaguwar (ジャグジャグウォー)

 カリフォルニア州サンフランシスコ出身、グレン・ドナルドソン(Glenn Donaldson)とドノヴァン・クイン(Donovan Quinn)からなる2ピース・フォーク・バンド、ザ・スカイグリーン・レパーズの2009年発売のアルバム。

 2001年に結成され、セルフリリースのCD-Rでも何作かアルバムをリリースしているので、本作を何枚目のアルバムとカウントすべきなのか、正確にはわかりません。すいません。

 前作『Disciples Of California』では、数名のゲスト・ミュージシャンを迎えてレコーディングしていましたが、本作でもペーパーカッツ(Papercuts)名義でも活動するジェイソン・クイヴァー(Jason Quever)が、前作から引き続いて参加。ドラムのジャスミン・ウォン(Jasmyn Wong)も、2曲で参加しています。

 このバンドはジャケットにドクロを用いることが多いんですけど、牧歌的なカントリーロード上にドクロが置かれた前作に引き続き、今作もカラフルな建物の窓からドクロが覗くデザインになっています。

 カントリーやフォークを基本にしながら、オルタナティヴなサウンドとアレンジを隠し味に、ほのかにサイケデリックな空気を醸し出す彼らの音楽性に、ぴったり一致したデザインだと思います。

 1曲目の「Johnny’s Theme」は、ボーカルの入らないイントロダクション的な楽曲ですが、イントロからギターが絡み合い、それを包み込むようにオルガンがアンサンブルが構成。オルガンの音色が、60年代から70年代のサイケデリアを思わせるサウンドを持った1曲です。

 2曲目「Margery」も、オルガンとアコースティック・ギターを中心に、オーガニックなサウンドを持った1曲。ですが、アコーディオンのような豊かな倍音を含んだオルガンが、サイケデリックな雰囲気をプラスし、楽曲に奥行きを与えています。

 8曲目「Gorgeous Johnny」は、ゆったりとしたテンポに乗せて、緩やかなグルーヴ感のあるアンサンブルが展開される1曲。ギターもドラムもたっぷりタメを作って、糸を引くようにリズムを刻むため、穏やかなカントリー調の曲のなかに、酩酊的な空気が同居します。

 フォークとカントリーが根底にはありますが、エレキ・ギターとオルガンが効果的に用いられ、現代的なサウンドに仕上がっているアルバム。前述したとおり、サウンドとアレンジからは随所にサイケデリックな空気も漂います。

 前作から比較すると、アコギよりもエレキとオルガンの比率が高まり、カントリー要素よりも、現代的な色が濃く出たアルバムでもあります。